Henry Moore

Henry Moore es uno de los escultores británicos más reconocidos del siglo XX. Nacido en un pequeño pueblo minero de Yorkshire en 1898, se sintió inspirado para convertirse en escultor a los 11 años tras leer una historia sobre Miguel Ángel. Su padre insistió en que se formara como profesor, ya que consideraba que era una carrera más estable. Sin embargo, Moore se alistó en el ejército británico en 1917 y sirvió en Francia durante la Primera Guerra Mundial. En 1919, utilizó la beca para exmilitares que le concedieron para matricularse en la Escuela de Arte de Leeds. Dos años después, ganó una beca para estudiar escultura en la Real Academia de Arte de Londres, donde más tarde se convertiría en profesor.

Durante su estancia en Londres, Moore visitaba con frecuencia las colecciones del Museo Británico. Sus primeras esculturas se inspiraron en obras africanas y oceánicas, así como en el arte precolombino que descubrió allí. Los viajes a París e Italia en 1923 y 1926 también moldearon su estilo y su enfoque de la forma.

Al igual que muchos de sus contemporáneos europeos, Moore creía fervientemente en el tallado directo. Era defensor de una técnica conocida como «veracidad de los materiales», en la que la visión del escultor respondía directamente al carácter inherente de la piedra o la madera a medida que las tallaba. La mayor parte de la producción de Moore durante las décadas de 1920 y 1930 se ajustó a este principio, como se aprecia en obras como Head.

Aunque Moore se inspiró en la naturaleza a lo largo de toda su carrera, su principal foco de atención fue la figura humana. Desde representaciones naturalistas de una madre y su hijo hasta visiones abstractas de figuras recostadas singulares, volvió una y otra vez a la forma humana. A medida que su práctica artística evolucionaba, también comenzó a explorar nuevos materiales, trabajando con terracota, plomo, yeso y bronce.

Moore permaneció en Londres tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial y fue nombrado artista de guerra oficial en 1940. Sus famosos «Dibujos de los refugios», entre los que se incluye Two Sleepers in the Underground, se inspiraron en sus experiencias al recorrer los refugios antiaéreos subterráneos de la ciudad durante ese periodo.

En 1943, recibió un encargo de la iglesia de San Mateo, en Northampton, para esculpir una Virgen con el Niño. Esta fue la primera de una importante serie de esculturas de grupos familiares que surgirían en la obra de Moore. En 1946 se inauguró una gran retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y, dos años más tarde, ganó el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia.

Moore creía firmemente en la responsabilidad cívica del artista. A finales de la década de 1940 y durante la de 1950, creó varias esculturas destinadas a su exposición pública en colegios, hospitales y urbanizaciones. El Consejo de las Artes le invitó a crear una nueva obra para el Festival de Gran Bretaña, que se celebraría en Londres en 1951. Aunque el comité organizador sugirió un tema familiar, Moore creó en su lugar una forma reclinada, esquelética y refinada. Esta obra marcó un importante punto de inflexión en su carrera, y comenzó a incorporar un mayor sentido de la tridimensionalidad en su obra. Un molde de Reclining Figure: Festival alcanzó un récord mundial para el artista al venderse en Christie’s, en Londres, en junio de 2016 por 24 722 500 libras esterlinas.

A lo largo de la década de 1950 le siguieron varios encargos públicos importantes, entre ellos uno para la sede de la UNESCO en París. La reputación internacional de Moore siguió creciendo a lo largo de esos años y pudo realizar sus esculturas a una escala cada vez mayor.

En 1977, el artista , junto con su familia, fundó la Fundación Henry Moore para fomentar el aprecio del público por las artes visuales. Un año más tarde, realizó una importante donación de obras de arte de su colección personal a la Tate Gallery de Londres. Moore siguió creando esculturas y dibujos hasta su muerte, en agosto de 1986.