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拍品專文
「最終結果並非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」
-鄭相和
當鄭相和於1960年代末期結束了他在巴黎的西方藝術探索之 旅，並自1970年代初開始定居於日本的神戶時，他已持續精研 自己的「撕」和「填滿」藝術工法，創造出無數個以水平、對 角和垂直線拼成的格子，以此為畫布上的平面增加深度。藝術 家先將整個畫布平均塗滿以高嶺土、水和膠水和成的混合料， 然後等厚重的油漆完全乾燥。接著，他將畫布從木製的擔架撤 走，在畫布的反面畫上以水平和垂直線構成的格子。完成這道 工序後，鄭小心翼翼地將畫布沿著他所標的線折好，然後將顏 料從選定的格子中撕下來。那些已被撕撤顏料的空格子，再以 層層複合的丙烯酸顏料填滿。鄭相和就這麼重複著「撕」和 「填滿」的藝創動作，直到他在減和增之間找到完美的平衡為 止。在這整個過程，鄭相和的作品從而滲滿了他身體所進行的 各種創作姿勢，甚至還有他的氣息。他揚棄了多色用法，決心 要專注創造出畫布的獨特質地語言。透過這種方式，鄭相和的 畫作幻化成一座雕塑，並將堅實有形的感知力放到極致。鄭相 和的藝作，讓觀者忍不住想細細檢視，甚至是觸碰 – 那些光影 變幻效果在畫布表面所塑形的藝術生命。
鄭相和的單色平面效果，透過冥想的重複動作成功地達到了無 限的暫時和普遍性。法國藝評家菲力沛．皮蓋稱鄭相和的畫 作，來自他內在的洞察所產出的莊重，既自由又豐富，通向一 個揭示的異想空間，他指出，「鄭相和的創作方法，使繪作 的視覺呈現有似屏幕，而畫家企圖在屏幕上展現兩個世界；一 個是最基本的世界，另一個則是他存在的藝思宇宙，熱切而強 烈。那種主宰畫作構造的馬賽克原則，指涉的是生命力之線條 的總稱概念，以及格子的觀點。至於它們的單色本質，則正是 以高色調使其激化的目的，以一種近乎存在的素材來銘記圖像 的物質中心，確保每一張畫作都有某種變異的無垠質地。除了畫作執行過程的種種辛勞(此處所謂的辛勞，全然是正面之意) 之外，鄭相和的作品富含張力、韻律的魔法，以及視覺屈折變 化的潛力，讓繪品不至於流於單調或是一成不變。」
鄭相和獨到的藝術騏驥和生花妙筆，以及冗長創作過程中重複 動作所需的專注紀律，是使他畫作幻化並超越了形式幾何藝作 之限、成為無垠宇宙的主要元素之一，召喚著觀者陷入沈思冥 想之域。誠如韓國藝評家Chae Ok-Yang所論，在鄭相和這些 使人入神不已的畫作中，「顏色根據濃淡、以及每個平面的凹 凸質地而呈現不同的幽微差別。有別於透過單色平面來追求純 簡效果，鄭相和展現的是層巒疊嶂的纖細變化。」歐洲最具名 望的博物館館長及藝術史學家，羅蘭．艾格指出，鄭相和的畫 作看似一個天然、中立且是物質性之實體的物件，沒有刻意、 獨斷或說教式的敘述，他對鄭的作品下了這樣的評論，「觀 者對於畫作之感官表面的視覺細節、畫家的細心敏銳的介入、 以及他用來建構作品的圖繪和物理方法愈產生興趣，就會愈靠 近作品的精神…對創作過程以外的冥想和情感境域再進一步細 讀，即成為詩篇，就是作品純詩意的策略。」
鄭十分強調展現他藝創過程的重要性，他表示，「最終結果並 非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」透過這種做法， 創作過程成為作品的意義指標，而著重靈性淨化和心智紀律的 亞洲文人傳統，則是娓娓地灌入鄭的冥思畫作。艾格有一次說 道，「…他的藝術作法，聚焦於人類學中有形化的勞作範疇， 並透過作品中的豐富指涉性，羅織成為上下文背景。因此，把 他的作品歸納於各種極簡化藝術方法範疇，會造成誤導；其作 品之多層提論的敏銳化，以及型態結構的譬喻式含義，指的是 生命多元情感薈萃中的實質經驗。」一篇刊登於亞太藝術的評 論文章，深入探索鄭相和在一間著名紐約藝廊的個展，並對理 解鄭相和作品的精義提供見解：在勞作和姿勢、限制和表達、 界線和浩瀚的結合中，鄭或許達到一種能精確代表南韓、以及 他這一代文化的藝作。
在日本和法國生活、工作了三十多年的鄭相和，直到1992年 才決定回到母國永久定居；他的人生就是一場尋找抽象藝術新 形式、好協助他建構自己身份的壯麗遠征。
鄭相和的作品得見於以下這些知名展館：法國聖艾蒂安現代藝 術博物館、波蘭的波茲南雙年展、日本大阪國立國際美術館、 福岡的福岡藝術博物館、韓國的國立現代美術館、以及首爾藝 術博物館。他的畫作也隸屬於三星現代藝術博物館、首爾藝術 博物館、釜山市立美術館、日本東京國立近代美術館、靜岡縣 立美術館、福岡亞洲美術館、和其他許多展館的常年展。
-鄭相和
當鄭相和於1960年代末期結束了他在巴黎的西方藝術探索之 旅，並自1970年代初開始定居於日本的神戶時，他已持續精研 自己的「撕」和「填滿」藝術工法，創造出無數個以水平、對 角和垂直線拼成的格子，以此為畫布上的平面增加深度。藝術 家先將整個畫布平均塗滿以高嶺土、水和膠水和成的混合料， 然後等厚重的油漆完全乾燥。接著，他將畫布從木製的擔架撤 走，在畫布的反面畫上以水平和垂直線構成的格子。完成這道 工序後，鄭小心翼翼地將畫布沿著他所標的線折好，然後將顏 料從選定的格子中撕下來。那些已被撕撤顏料的空格子，再以 層層複合的丙烯酸顏料填滿。鄭相和就這麼重複著「撕」和 「填滿」的藝創動作，直到他在減和增之間找到完美的平衡為 止。在這整個過程，鄭相和的作品從而滲滿了他身體所進行的 各種創作姿勢，甚至還有他的氣息。他揚棄了多色用法，決心 要專注創造出畫布的獨特質地語言。透過這種方式，鄭相和的 畫作幻化成一座雕塑，並將堅實有形的感知力放到極致。鄭相 和的藝作，讓觀者忍不住想細細檢視，甚至是觸碰 – 那些光影 變幻效果在畫布表面所塑形的藝術生命。
鄭相和的單色平面效果，透過冥想的重複動作成功地達到了無 限的暫時和普遍性。法國藝評家菲力沛．皮蓋稱鄭相和的畫 作，來自他內在的洞察所產出的莊重，既自由又豐富，通向一 個揭示的異想空間，他指出，「鄭相和的創作方法，使繪作 的視覺呈現有似屏幕，而畫家企圖在屏幕上展現兩個世界；一 個是最基本的世界，另一個則是他存在的藝思宇宙，熱切而強 烈。那種主宰畫作構造的馬賽克原則，指涉的是生命力之線條 的總稱概念，以及格子的觀點。至於它們的單色本質，則正是 以高色調使其激化的目的，以一種近乎存在的素材來銘記圖像 的物質中心，確保每一張畫作都有某種變異的無垠質地。除了畫作執行過程的種種辛勞(此處所謂的辛勞，全然是正面之意) 之外，鄭相和的作品富含張力、韻律的魔法，以及視覺屈折變 化的潛力，讓繪品不至於流於單調或是一成不變。」
鄭相和獨到的藝術騏驥和生花妙筆，以及冗長創作過程中重複 動作所需的專注紀律，是使他畫作幻化並超越了形式幾何藝作 之限、成為無垠宇宙的主要元素之一，召喚著觀者陷入沈思冥 想之域。誠如韓國藝評家Chae Ok-Yang所論，在鄭相和這些 使人入神不已的畫作中，「顏色根據濃淡、以及每個平面的凹 凸質地而呈現不同的幽微差別。有別於透過單色平面來追求純 簡效果，鄭相和展現的是層巒疊嶂的纖細變化。」歐洲最具名 望的博物館館長及藝術史學家，羅蘭．艾格指出，鄭相和的畫 作看似一個天然、中立且是物質性之實體的物件，沒有刻意、 獨斷或說教式的敘述，他對鄭的作品下了這樣的評論，「觀 者對於畫作之感官表面的視覺細節、畫家的細心敏銳的介入、 以及他用來建構作品的圖繪和物理方法愈產生興趣，就會愈靠 近作品的精神…對創作過程以外的冥想和情感境域再進一步細 讀，即成為詩篇，就是作品純詩意的策略。」
鄭十分強調展現他藝創過程的重要性，他表示，「最終結果並 非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」透過這種做法， 創作過程成為作品的意義指標，而著重靈性淨化和心智紀律的 亞洲文人傳統，則是娓娓地灌入鄭的冥思畫作。艾格有一次說 道，「…他的藝術作法，聚焦於人類學中有形化的勞作範疇， 並透過作品中的豐富指涉性，羅織成為上下文背景。因此，把 他的作品歸納於各種極簡化藝術方法範疇，會造成誤導；其作 品之多層提論的敏銳化，以及型態結構的譬喻式含義，指的是 生命多元情感薈萃中的實質經驗。」一篇刊登於亞太藝術的評 論文章，深入探索鄭相和在一間著名紐約藝廊的個展，並對理 解鄭相和作品的精義提供見解：在勞作和姿勢、限制和表達、 界線和浩瀚的結合中，鄭或許達到一種能精確代表南韓、以及 他這一代文化的藝作。
在日本和法國生活、工作了三十多年的鄭相和，直到1992年 才決定回到母國永久定居；他的人生就是一場尋找抽象藝術新 形式、好協助他建構自己身份的壯麗遠征。
鄭相和的作品得見於以下這些知名展館：法國聖艾蒂安現代藝 術博物館、波蘭的波茲南雙年展、日本大阪國立國際美術館、 福岡的福岡藝術博物館、韓國的國立現代美術館、以及首爾藝 術博物館。他的畫作也隸屬於三星現代藝術博物館、首爾藝術 博物館、釜山市立美術館、日本東京國立近代美術館、靜岡縣 立美術館、福岡亞洲美術館、和其他許多展館的常年展。