拍品专文
« [Les Attese] incarnent le mystère de l'inconnu en art. […] L'attente de quelque chose qui doit advenir. » - Lucio Fontana
Quatre fines entailles tracées au cutter traversent avec grâce la surface autrement lisse et monochrome de ce Concetto spaziale, Attese (« concept spatial, attentes ») d'un rouge intense. Conservée dans la même collection particulière pendant plus de quarante ans, durant lesquels elle n'a été présentée au public qu'à de rares occasions, cette toile est un exemple particulièrement vibrant des Attese, la série la plus emblématique et la plus appréciée, aujourd'hui encore, de Lucio Fontana. Lorsque les premières œuvres de cet ensemble radicalement innovant voient le jour en 1958, Fontana se félicite d'avoir su, « [...] grâce à ce procédé, transmettre au spectateur une impression de calme spatial, de rigueur cosmique, de sérénité devant l'infini » (Lucio Fontana, in Lucio Fontana cat. exp., Rome, 1998, p. 250). Les Attese constituent en effet une expression si éloquente de la vision de l'artiste, un reflet si juste de sa pensée, qu'elles deviendront la pierre angulaire de la production de ses dix dernières années.
Manifestations dépouillées de l'esprit «spatialiste» de Fontana, les Attese se caractérisent par des étendues de couleur unie, parcourues de longues incisions qui viennent percer la traditionnelle surface de représentation du tableau, pour s'ouvrir sur l'immensité au-delà. Par leur limpidité monochrome, ces toiles marquent la fin des recherches « informelles » de l'artiste avec la matière, et le début d'une aventure pleinement conceptuelle liée à la conquête de l'espace (tant plastique qu'interstellaire). Dérivées de ses expériences avec les buchi (les «trous» dont il avait précédemment constellé ses toiles), les tagli (ou «entailles») de Fontana poursuivent le même objectif : imprégner le plan pictural d'une dimension cosmique, en y suggérant la présence latente du vide sidéral, mais de façon plus élégante, plus dynamique, plus spectaculaire. «Ce que nous voulons, c'est affranchir l'art de la matière», déclarait Fontana dans son Manifeste spatialiste. «En tant que peintre, lorsque je travaille sur une de mes œuvres perforées, je ne cherche pas à produire un tableau, mais à ouvrir l'espace, à créer une nouvelle dimension pour l'art, à communier avec le cosmos qui se déploie infiniment au-delà du plan restreint de l'image» (Lucio Fontana in Jan van der Marck & Enrico Crispolti, Fontana, Bruxelles, 1974, p. 7).
Les premières toiles «spatialistes» de Fontana eurent un impact décisif sur de nombreuses figures émergentes des années 1950 comme Piero Manzoni, Yves Klein et les membres du groupe ZERO. Ce fut toutefois lorsque l'Argentin découvrit à son tour (à Milan en 1957, puis à Dusseldorf en 1958) l'approche plus abstraite et conceptuelle de cette jeune génération ralliée, elle aussi, à la nouvelle esthétique de l'ère dite «spatiale», qu'il se tourna vers la peinture monochrome, d'abord dans sa série des Quanta, puis dans ses célèbres Attese. Avec ses couleurs impeccables, cette abstraction très sobre aux accents presque industriels tranchait nettement avec les toiles plus informelles des années précédentes, dans lesquelles Fontana avait fait danser la matière et l'espace dans de grandes compositions suggestives de galaxies. En raffinant les penchants baroques de ces travaux antérieurs pour n'en garder que l'essentiel, ce nouveau langage monochrome, plus simple, plus subtil, préfigure à bien des égards tant l’Arte Povera italien que les courants minimalistes et conceptuels qui domineront le paysage artistique international de la fin des années 1960.
Cet Attese d'un rouge éclatant, conçu durant la retentissante année 1968, comporte une inscription particulièrement révélatrice de cette évolution intellectuelle et stylistique. Fontana avait en effet pour habitude de glisser au dos de ses Attese des commentaires spontanés, à la manière de notes de carnet de bord. Ici, dans une étonnante mise en abîme des quatre entailles disposées sur la face visible de la toile rectangulaire, Fontana a dessiné au verso du tableau un rectangle dans lequel apparaît cette petite phrase tautologique: «è un rettangolo a mano libera» («ceci est un rectangle à main levée»).
En 1968, ce genre de pléonasme entre des mots et un dessin illustrant le sens de ces mêmes propos est une pratique auto-réflexive courante, notamment parmi les représentants de l'Arte Povera. En plus de lorgner, sans doute, vers cette mouvance-là, cette remarque ludique de Fontana cherche peut-être aussi à faire valoir, malgré leur apparence d'objets manufacturés, le caractère artisanal de ses monochromes incisés.
Comme le démontre brillamment cette œuvre de 1968, la légère incurvation des déchirures exécutées d'un geste sûr par Fontana participe à l'expressivité fondamentale des Attese. Ces balafres, estime Anthony White, sont avant tout les traces de l'interaction physique de l'artiste avec la surface autrement plane, rigide et géométrique de la toile. D'après White, leurs courbes délicates «témoignent de la gestualité du peintre. L'élan naturel, ergonomique de la main droite qui redescend vers le corps est signifié par ces lignes qui s'inclinent légèrement en parcourant la toile de haut en bas. De plus, les renflements qui se forment de part et d'autre de chaque déchirure révèlent la réaction naturelle du matériau aux effets de l'incision, la surface de l'image s'étant légèrement dégagée du point de rupture, comme le ferait une membrane de chair écharpée» (Anthony White, ‘Industrial Painting’s Utopias, Lucio Fontana’s “Expectations”', October, Vol. 124, 2008, p. 113).
Ces tagli, dont la gracieuse cambrure immortalise le mouvement-même qui les a vues naître, sont parfois comparées à des météores fusant dans l'espace, ou à des fusées s'élançant dans la stratosphère. Or pour Fontana, «les entailles sont par-dessus tout une expression philosophique, un acte de foi dans l'infini, une affirmation de spiritualité». Il les considère en ce sens comme «des éléments qui permettent d'échapper, symboliquement, mais aussi matériellement, à la prison de la surface plane» (Lucio Fontana dans un entretien avec Tommaso Trini, 19 juillet 1968, in Lucio Fontana, cat. exp., Londres, 1988, p. 34).
« Mes découpes sont avant tout une déclaration philosophique, un acte de foi dans l'infini, une affirmation de la spiritualité. » - Lucio Fontana
Cette transformation profondément philosophique de l'objet d'art en une entité entièrement vouée à incarner, avec élégance, la fusion entre l'espace cosmique, le temps et la matière tangible, bouscule radicalement l'idée traditionnelle de création artistique. Avec les tagli, l'œuvre d'art se voit propulsée dans un champ conceptuel et esthétique beaucoup plus large : une ouverture qui résonne très naturellement avec les recherches de bon nombre d'artistes italiens affiliés, vers la fin des années 1960 et le début des années 1970, à l'Arte Povera. En 1968, dans l'une de ses toutes dernières interviews, Fontana réaffirme d'ailleurs les liens étroits entre sa vision spatialiste et les convictions de cette jeune génération qui prône alors la naissance d'une nouvelle forme d'art, fondée sur des principes similaires d'économie de forme et de moyens. Comme eux, Fontana cherche, au fond, à donner corps à quelque chose qui ne soit ni «un objet ni une forme», et qui n'ait «[…] plus rien à voir avec la consommation bourgeoise [ou] la beauté attachée à un objet vendable» (Lucio Fontana, «Yves Klein, le monochrome», Art et création, numéro 1, 1968, p. 78).
Dans cet Attese magistral, l'artiste traduit avec beaucoup d'éloquence cette notion de «désincarnation de l'objet d'art», en soumettant au spectateur l'idée que «le véritable sujet d'un tableau radical » devrait être, comme l'observe Anthony White, «le dépassement de son propre statut d'objet fétichisé». Ces Concetti spaziale, Attese, dont le titre pointe vers l'idée d'attente, d'expectative, d'anticipation, s'imposent ainsi comme des mises en garde qui «nous signalent quelque chose qui nous est 'dû', mais que nous attendons encore» (Anthony White, op cit., p. 124).
Fontana résumera lui-même ce sentiment avec beaucoup de poésie: «Lorsque je m’assois pour contempler un de mes tagli, je sens immédiatement mon esprit qui se dilate. Je me sens comme un homme libéré des carcans de la matière, un homme en osmose avec l'immensité du présent et de l'avenir» (Lucio Fontana, in Lucio Fontana: Venice/New York, op. cit., p. 23).
''They [the Attese] are the mystery of the Unknown in art... the Expectation of something that must follow.'' - Lucio Fontana
Concetto spaziale, Attese (Spatial Concept, Expectation) is a startlingly vibrant, red canvas that has been rhythmically and elegantly slashed four times with a Stanley knife to create four dramatic ‘spatialist’ incisions into its otherwise pristine, flat, monochrome surface. Held in the same private collection for over forty years and rarely seen in public during this time, the work is an outstanding example of the Attese (‘Expectations’), Fontana’s most iconic, popular and enduring series of works.
''With this formula I have succeeded in giving the spectator an impression of spatial calm, cosmic rigour, serenity and infinity,’'' Fontana said of the Attese when they were first created in 1958. (Lucio Fontana quoted in Lucio Fontana exh. cat., Rome, 1998, p. 250.) Indeed, so identifiable with the core ideology and aesthetic of his art did these Attese prove that Fontana would continue to make these works on a regular basis throughout the last ten years of his life.
Simple, minimal, ‘spatialist’ gestures consisting solely of a pure monochrome canvas opening onto infinite space through the elegant slash or slashes perforating this traditional surface of illusion and representation, Fontana's Attese are the works that mark the end of the artist's informel experiment with material and, in their adoption of the monochrome, the beginning of a new, purely spatial and conceptual adventure. Evolving from Fontana's earlier concept of the buchi or hole in the canvas, the more dynamic tagli (‘slash’ or cut) served the same purpose of infusing the surface of the picture-plane with a sense of the infinite void of cosmic space, but it did so in a more elegant, dramatic and simplified way. ‘What we want to do is to unchain art from matter’ Fontana had asserted in his Spatialist Manifesto. ''As a painter, while working on one of my perforated canvases, I do not want to make a painting, I want to open up space, create a new dimension for art, tie in with the cosmos as it endlessly expands beyond the confining plane of the picture.'' (Lucio Fontana quoted in Jan van der Marck and Enrico Crispolti, Fontana, Brussels, 1974, p. 7)
Fontana’s first spatialist pictures had been a major influence on the work of 1950s artists such as Piero Manzoni, Yves Klein and the Group Zero. But it was after seeing these younger artists more abstract and conceptual approach to the new space-age aesthetics in Milan in 1957 and in Dusseldorf in 1958, that Fontana himself adopted the monochrome format, first in his Quanta series and then in the celebrated Attese. Fontana’s adoption of the pure, more mechanical and industrial-looking abstraction of the monochrome in these works, marked not only a move away from his earlier, galaxy-resembling paintings mixing space and material in a more informal style, it also pointed towards a new simplified and more conceptual approach. A refinement of the Baroque tendencies of his earlier work towards a language of elegance and simplicity, this new direction in Fontana’s work was one that, in many ways anticipated the later approaches of both the Arte Povera generation in Italy and of much of the minimalist and conceptual art of the late-1960s.
This vibrant, red Attese from the auspicious year of 1968 is a work that also, in this context, bears an appropriate inscription. It was Fontana’s practice with his Attese to inscribe each of these works with a unique, diary-like inscription on the reverse. In a self-reflexive parallel of the four cuts within a rectangular plane visible on the front of the canvas. Fontana has here written the tautological description ‘è un rettangolo a mano libera’ (‘its a freehand rectangle’) within a hand-drawn rectangle on the verso.
In 1968, such a tautological play of words alongside a drawing illustrating the description provided by the words themselves was very much the kind of self-reflexive device used by much conceptual and Arte Povera art of this same period. As well as perhaps acknowledging this, Fontana may also here have intended, through this playful inscription, to draw attention to the hand-crafted and interactive nature of his otherwise, very industrial-looking slashed monochrome canvases.
Central to this aspect of the Attese, as this 1968 work brilliantly illustrates, is the gently curving nature of the hand-made cuts he has made into its surface. These, as Anthony White, has pointed out, are marks that ultimately reflect the bodily interaction of the artist himself with the otherwise infinitely flat, cold geometry of the picture plane. The subtle curves of these cuts, White writes, ‘show how Fontana’s slashes refer to the handedness of the painter. The natural, ergonomic movement of drawing the right hand in toward the body is signified by the forms that gently slope as they descend the canvas. Furthermore, the bulges that have been formed in the canvas on either side of each cut evince the sympathetic response of the material to the slicing action, as the picture surface appears to have pulled back from the site of the rupture in a manner similar to what one would expect from a fleshy membrane.’ (Anthony White, ‘Industrial Painting’s Utopias, Lucio Fontana’s “Expectations”,’ October, Vol 124, 2008, p. 113).
Gestural marks, whose form, ultimately records the arc of their own creation, such cuts have also been compared to meteors streaking through space or rockets launching into the stratosphere. For Fontana himself, he said, ‘my cuts are above all a philosophical statement, an act of faith in the infinite, an affirmation of spirituality’. They are, he said, ‘elements that allow an ‘escape, symbolically, but also materially, from the prison of the flat surface’. (Lucio Fontana in conversation with Tommaso Trini, July 19 1968, in Lucio Fontana, exh. cat., London, 1988, p.34).
''My cuts are above all a philosophical statement, an act of faith in the infinite, an affirmation of spirituality.'' - Lucio Fontana
Such a philosophical transformation of the art object at into a simple entity that elegantly illustrates a physical fusion of cosmic space, time and matter within one ‘object’, was a significant opening up of the idea of an artwork to a wider, conceptual and aesthetic realm that was, of course, to characterize much of the late-1960s and early ‘70s work of the ‘Arte Povera’ artists in Italy. Indeed, in 1968, in one of the last interviews he ever gave, Fontana reiterated the close alignment of his Spatialist ideas with those of many of this younger generation’s sentiments by proposing that they advocated the birth of a new art along similar, simple, conceptual lines. ''His Spatialist aesthetic, Fontana said, was one that led ultimately to the creation of works of art that were ‘not an object, nor a form... Nothing more to do with bourgeois consumption [or] beauty attached to a sellable object.'' (Lucio Fontana, quoted in “Fontana’, Art e creation, I, 1968, p. 78).
In Attese like this work, Fontana had already eloquently announced this notion of the ‘dematerializing of the art-object’ by, as Anthony White has pointed out, essentially offering up to the viewer, the idea that ‘the proper subject of a radical painting’ should be just such an ‘overcoming of its own fetishistic objecthood’ and by suggesting, through the title of these works, which ‘all of which contain the term “Expectation”’, that these ‘Concetti spaziale, Attese’ are ‘alerts that [this] is something we are “entitled to demand,” and for which we are still waiting.’ (Anthony White, op cit., p. 124).
On a separate occasion, Fontana, would express this same sentiment more poetically, by noting that, ‘when I sit down to contemplate one of my cuts, I sense all at once an enlargement of the spirit. I feel like a man freed from the shackles of matter, a man at one with the immensity of the present and of the future.’ (Lucio Fontana, quoted in Lucio Fontana: Venice/New York, op. cit., p. 23).
Quatre fines entailles tracées au cutter traversent avec grâce la surface autrement lisse et monochrome de ce Concetto spaziale, Attese (« concept spatial, attentes ») d'un rouge intense. Conservée dans la même collection particulière pendant plus de quarante ans, durant lesquels elle n'a été présentée au public qu'à de rares occasions, cette toile est un exemple particulièrement vibrant des Attese, la série la plus emblématique et la plus appréciée, aujourd'hui encore, de Lucio Fontana. Lorsque les premières œuvres de cet ensemble radicalement innovant voient le jour en 1958, Fontana se félicite d'avoir su, « [...] grâce à ce procédé, transmettre au spectateur une impression de calme spatial, de rigueur cosmique, de sérénité devant l'infini » (Lucio Fontana, in Lucio Fontana cat. exp., Rome, 1998, p. 250). Les Attese constituent en effet une expression si éloquente de la vision de l'artiste, un reflet si juste de sa pensée, qu'elles deviendront la pierre angulaire de la production de ses dix dernières années.
Manifestations dépouillées de l'esprit «spatialiste» de Fontana, les Attese se caractérisent par des étendues de couleur unie, parcourues de longues incisions qui viennent percer la traditionnelle surface de représentation du tableau, pour s'ouvrir sur l'immensité au-delà. Par leur limpidité monochrome, ces toiles marquent la fin des recherches « informelles » de l'artiste avec la matière, et le début d'une aventure pleinement conceptuelle liée à la conquête de l'espace (tant plastique qu'interstellaire). Dérivées de ses expériences avec les buchi (les «trous» dont il avait précédemment constellé ses toiles), les tagli (ou «entailles») de Fontana poursuivent le même objectif : imprégner le plan pictural d'une dimension cosmique, en y suggérant la présence latente du vide sidéral, mais de façon plus élégante, plus dynamique, plus spectaculaire. «Ce que nous voulons, c'est affranchir l'art de la matière», déclarait Fontana dans son Manifeste spatialiste. «En tant que peintre, lorsque je travaille sur une de mes œuvres perforées, je ne cherche pas à produire un tableau, mais à ouvrir l'espace, à créer une nouvelle dimension pour l'art, à communier avec le cosmos qui se déploie infiniment au-delà du plan restreint de l'image» (Lucio Fontana in Jan van der Marck & Enrico Crispolti, Fontana, Bruxelles, 1974, p. 7).
Les premières toiles «spatialistes» de Fontana eurent un impact décisif sur de nombreuses figures émergentes des années 1950 comme Piero Manzoni, Yves Klein et les membres du groupe ZERO. Ce fut toutefois lorsque l'Argentin découvrit à son tour (à Milan en 1957, puis à Dusseldorf en 1958) l'approche plus abstraite et conceptuelle de cette jeune génération ralliée, elle aussi, à la nouvelle esthétique de l'ère dite «spatiale», qu'il se tourna vers la peinture monochrome, d'abord dans sa série des Quanta, puis dans ses célèbres Attese. Avec ses couleurs impeccables, cette abstraction très sobre aux accents presque industriels tranchait nettement avec les toiles plus informelles des années précédentes, dans lesquelles Fontana avait fait danser la matière et l'espace dans de grandes compositions suggestives de galaxies. En raffinant les penchants baroques de ces travaux antérieurs pour n'en garder que l'essentiel, ce nouveau langage monochrome, plus simple, plus subtil, préfigure à bien des égards tant l’Arte Povera italien que les courants minimalistes et conceptuels qui domineront le paysage artistique international de la fin des années 1960.
Cet Attese d'un rouge éclatant, conçu durant la retentissante année 1968, comporte une inscription particulièrement révélatrice de cette évolution intellectuelle et stylistique. Fontana avait en effet pour habitude de glisser au dos de ses Attese des commentaires spontanés, à la manière de notes de carnet de bord. Ici, dans une étonnante mise en abîme des quatre entailles disposées sur la face visible de la toile rectangulaire, Fontana a dessiné au verso du tableau un rectangle dans lequel apparaît cette petite phrase tautologique: «è un rettangolo a mano libera» («ceci est un rectangle à main levée»).
En 1968, ce genre de pléonasme entre des mots et un dessin illustrant le sens de ces mêmes propos est une pratique auto-réflexive courante, notamment parmi les représentants de l'Arte Povera. En plus de lorgner, sans doute, vers cette mouvance-là, cette remarque ludique de Fontana cherche peut-être aussi à faire valoir, malgré leur apparence d'objets manufacturés, le caractère artisanal de ses monochromes incisés.
Comme le démontre brillamment cette œuvre de 1968, la légère incurvation des déchirures exécutées d'un geste sûr par Fontana participe à l'expressivité fondamentale des Attese. Ces balafres, estime Anthony White, sont avant tout les traces de l'interaction physique de l'artiste avec la surface autrement plane, rigide et géométrique de la toile. D'après White, leurs courbes délicates «témoignent de la gestualité du peintre. L'élan naturel, ergonomique de la main droite qui redescend vers le corps est signifié par ces lignes qui s'inclinent légèrement en parcourant la toile de haut en bas. De plus, les renflements qui se forment de part et d'autre de chaque déchirure révèlent la réaction naturelle du matériau aux effets de l'incision, la surface de l'image s'étant légèrement dégagée du point de rupture, comme le ferait une membrane de chair écharpée» (Anthony White, ‘Industrial Painting’s Utopias, Lucio Fontana’s “Expectations”', October, Vol. 124, 2008, p. 113).
Ces tagli, dont la gracieuse cambrure immortalise le mouvement-même qui les a vues naître, sont parfois comparées à des météores fusant dans l'espace, ou à des fusées s'élançant dans la stratosphère. Or pour Fontana, «les entailles sont par-dessus tout une expression philosophique, un acte de foi dans l'infini, une affirmation de spiritualité». Il les considère en ce sens comme «des éléments qui permettent d'échapper, symboliquement, mais aussi matériellement, à la prison de la surface plane» (Lucio Fontana dans un entretien avec Tommaso Trini, 19 juillet 1968, in Lucio Fontana, cat. exp., Londres, 1988, p. 34).
« Mes découpes sont avant tout une déclaration philosophique, un acte de foi dans l'infini, une affirmation de la spiritualité. » - Lucio Fontana
Cette transformation profondément philosophique de l'objet d'art en une entité entièrement vouée à incarner, avec élégance, la fusion entre l'espace cosmique, le temps et la matière tangible, bouscule radicalement l'idée traditionnelle de création artistique. Avec les tagli, l'œuvre d'art se voit propulsée dans un champ conceptuel et esthétique beaucoup plus large : une ouverture qui résonne très naturellement avec les recherches de bon nombre d'artistes italiens affiliés, vers la fin des années 1960 et le début des années 1970, à l'Arte Povera. En 1968, dans l'une de ses toutes dernières interviews, Fontana réaffirme d'ailleurs les liens étroits entre sa vision spatialiste et les convictions de cette jeune génération qui prône alors la naissance d'une nouvelle forme d'art, fondée sur des principes similaires d'économie de forme et de moyens. Comme eux, Fontana cherche, au fond, à donner corps à quelque chose qui ne soit ni «un objet ni une forme», et qui n'ait «[…] plus rien à voir avec la consommation bourgeoise [ou] la beauté attachée à un objet vendable» (Lucio Fontana, «Yves Klein, le monochrome», Art et création, numéro 1, 1968, p. 78).
Dans cet Attese magistral, l'artiste traduit avec beaucoup d'éloquence cette notion de «désincarnation de l'objet d'art», en soumettant au spectateur l'idée que «le véritable sujet d'un tableau radical » devrait être, comme l'observe Anthony White, «le dépassement de son propre statut d'objet fétichisé». Ces Concetti spaziale, Attese, dont le titre pointe vers l'idée d'attente, d'expectative, d'anticipation, s'imposent ainsi comme des mises en garde qui «nous signalent quelque chose qui nous est 'dû', mais que nous attendons encore» (Anthony White, op cit., p. 124).
Fontana résumera lui-même ce sentiment avec beaucoup de poésie: «Lorsque je m’assois pour contempler un de mes tagli, je sens immédiatement mon esprit qui se dilate. Je me sens comme un homme libéré des carcans de la matière, un homme en osmose avec l'immensité du présent et de l'avenir» (Lucio Fontana, in Lucio Fontana: Venice/New York, op. cit., p. 23).
''They [the Attese] are the mystery of the Unknown in art... the Expectation of something that must follow.'' - Lucio Fontana
Concetto spaziale, Attese (Spatial Concept, Expectation) is a startlingly vibrant, red canvas that has been rhythmically and elegantly slashed four times with a Stanley knife to create four dramatic ‘spatialist’ incisions into its otherwise pristine, flat, monochrome surface. Held in the same private collection for over forty years and rarely seen in public during this time, the work is an outstanding example of the Attese (‘Expectations’), Fontana’s most iconic, popular and enduring series of works.
''With this formula I have succeeded in giving the spectator an impression of spatial calm, cosmic rigour, serenity and infinity,’'' Fontana said of the Attese when they were first created in 1958. (Lucio Fontana quoted in Lucio Fontana exh. cat., Rome, 1998, p. 250.) Indeed, so identifiable with the core ideology and aesthetic of his art did these Attese prove that Fontana would continue to make these works on a regular basis throughout the last ten years of his life.
Simple, minimal, ‘spatialist’ gestures consisting solely of a pure monochrome canvas opening onto infinite space through the elegant slash or slashes perforating this traditional surface of illusion and representation, Fontana's Attese are the works that mark the end of the artist's informel experiment with material and, in their adoption of the monochrome, the beginning of a new, purely spatial and conceptual adventure. Evolving from Fontana's earlier concept of the buchi or hole in the canvas, the more dynamic tagli (‘slash’ or cut) served the same purpose of infusing the surface of the picture-plane with a sense of the infinite void of cosmic space, but it did so in a more elegant, dramatic and simplified way. ‘What we want to do is to unchain art from matter’ Fontana had asserted in his Spatialist Manifesto. ''As a painter, while working on one of my perforated canvases, I do not want to make a painting, I want to open up space, create a new dimension for art, tie in with the cosmos as it endlessly expands beyond the confining plane of the picture.'' (Lucio Fontana quoted in Jan van der Marck and Enrico Crispolti, Fontana, Brussels, 1974, p. 7)
Fontana’s first spatialist pictures had been a major influence on the work of 1950s artists such as Piero Manzoni, Yves Klein and the Group Zero. But it was after seeing these younger artists more abstract and conceptual approach to the new space-age aesthetics in Milan in 1957 and in Dusseldorf in 1958, that Fontana himself adopted the monochrome format, first in his Quanta series and then in the celebrated Attese. Fontana’s adoption of the pure, more mechanical and industrial-looking abstraction of the monochrome in these works, marked not only a move away from his earlier, galaxy-resembling paintings mixing space and material in a more informal style, it also pointed towards a new simplified and more conceptual approach. A refinement of the Baroque tendencies of his earlier work towards a language of elegance and simplicity, this new direction in Fontana’s work was one that, in many ways anticipated the later approaches of both the Arte Povera generation in Italy and of much of the minimalist and conceptual art of the late-1960s.
This vibrant, red Attese from the auspicious year of 1968 is a work that also, in this context, bears an appropriate inscription. It was Fontana’s practice with his Attese to inscribe each of these works with a unique, diary-like inscription on the reverse. In a self-reflexive parallel of the four cuts within a rectangular plane visible on the front of the canvas. Fontana has here written the tautological description ‘è un rettangolo a mano libera’ (‘its a freehand rectangle’) within a hand-drawn rectangle on the verso.
In 1968, such a tautological play of words alongside a drawing illustrating the description provided by the words themselves was very much the kind of self-reflexive device used by much conceptual and Arte Povera art of this same period. As well as perhaps acknowledging this, Fontana may also here have intended, through this playful inscription, to draw attention to the hand-crafted and interactive nature of his otherwise, very industrial-looking slashed monochrome canvases.
Central to this aspect of the Attese, as this 1968 work brilliantly illustrates, is the gently curving nature of the hand-made cuts he has made into its surface. These, as Anthony White, has pointed out, are marks that ultimately reflect the bodily interaction of the artist himself with the otherwise infinitely flat, cold geometry of the picture plane. The subtle curves of these cuts, White writes, ‘show how Fontana’s slashes refer to the handedness of the painter. The natural, ergonomic movement of drawing the right hand in toward the body is signified by the forms that gently slope as they descend the canvas. Furthermore, the bulges that have been formed in the canvas on either side of each cut evince the sympathetic response of the material to the slicing action, as the picture surface appears to have pulled back from the site of the rupture in a manner similar to what one would expect from a fleshy membrane.’ (Anthony White, ‘Industrial Painting’s Utopias, Lucio Fontana’s “Expectations”,’ October, Vol 124, 2008, p. 113).
Gestural marks, whose form, ultimately records the arc of their own creation, such cuts have also been compared to meteors streaking through space or rockets launching into the stratosphere. For Fontana himself, he said, ‘my cuts are above all a philosophical statement, an act of faith in the infinite, an affirmation of spirituality’. They are, he said, ‘elements that allow an ‘escape, symbolically, but also materially, from the prison of the flat surface’. (Lucio Fontana in conversation with Tommaso Trini, July 19 1968, in Lucio Fontana, exh. cat., London, 1988, p.34).
''My cuts are above all a philosophical statement, an act of faith in the infinite, an affirmation of spirituality.'' - Lucio Fontana
Such a philosophical transformation of the art object at into a simple entity that elegantly illustrates a physical fusion of cosmic space, time and matter within one ‘object’, was a significant opening up of the idea of an artwork to a wider, conceptual and aesthetic realm that was, of course, to characterize much of the late-1960s and early ‘70s work of the ‘Arte Povera’ artists in Italy. Indeed, in 1968, in one of the last interviews he ever gave, Fontana reiterated the close alignment of his Spatialist ideas with those of many of this younger generation’s sentiments by proposing that they advocated the birth of a new art along similar, simple, conceptual lines. ''His Spatialist aesthetic, Fontana said, was one that led ultimately to the creation of works of art that were ‘not an object, nor a form... Nothing more to do with bourgeois consumption [or] beauty attached to a sellable object.'' (Lucio Fontana, quoted in “Fontana’, Art e creation, I, 1968, p. 78).
In Attese like this work, Fontana had already eloquently announced this notion of the ‘dematerializing of the art-object’ by, as Anthony White has pointed out, essentially offering up to the viewer, the idea that ‘the proper subject of a radical painting’ should be just such an ‘overcoming of its own fetishistic objecthood’ and by suggesting, through the title of these works, which ‘all of which contain the term “Expectation”’, that these ‘Concetti spaziale, Attese’ are ‘alerts that [this] is something we are “entitled to demand,” and for which we are still waiting.’ (Anthony White, op cit., p. 124).
On a separate occasion, Fontana, would express this same sentiment more poetically, by noting that, ‘when I sit down to contemplate one of my cuts, I sense all at once an enlargement of the spirit. I feel like a man freed from the shackles of matter, a man at one with the immensity of the present and of the future.’ (Lucio Fontana, quoted in Lucio Fontana: Venice/New York, op. cit., p. 23).