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Provenant de la collection de la famille Matisse
Henri Matisse (1869-1954)
Autoportrait
细节
Henri Matisse (1869-1954)
Autoportrait
encre de Chine sur papier
14.6 x 12.1 cm.
Exécuté vers 1944-47
brush and India ink on paper
5 ¾ x 4 ¾ in.
Executed circa 1944-47
Autoportrait
encre de Chine sur papier
14.6 x 12.1 cm.
Exécuté vers 1944-47
brush and India ink on paper
5 ¾ x 4 ¾ in.
Executed circa 1944-47
来源
Atelier de l'artiste.
Pierre Matisse, New York (par descendance).
Puis par descendance au propriétaire actuel.
Pierre Matisse, New York (par descendance).
Puis par descendance au propriétaire actuel.
更多详情
Georges Matisse a confirmé l'authenticité de cette œuvre.
Provenant directement de la collection de la famille de l’artiste, cet Autoportrait d’Henri Matisse, datant du milieu des années 1940, est une œuvre rare et introspective qui saisit l’artiste dans un instant de profonde réflexion. Réalisé à l’encre de Chine sur papier, ce dessin se révèle d’une grande sobriété, misant sur la précision et la puissance expressive du trait plutôt que sur la couleur — un médium que Matisse maîtrisait depuis longtemps, mais qu’il choisit ici délibérément de mettre de côté. Le résultat est un visage intensément abstrait : simplifié, tel un masque, mais néanmoins profondément personnel et immédiatement reconnaissable.
Créé durant une période de déclin physique et d’incertitude liée à la guerre, cet autoportrait rejette toute forme de vanité ou de théâtralité. Il offre au contraire l’essence même de l’identité de l’artiste, réduite à ses contours audacieux et à l’espace vide. Le visage apparaît aplati et schématique, avec des yeux creux et une bouche rigide, suggérant à la fois résistance et résignation. Ce n’est pas un portrait fidèle au sens traditionnel, mais une empreinte psychologique.
Comparé aux autoportraits peints antérieurs de Matisse — tels que celui de 1918, conservé au musée d’Orsay à Paris, qui présente une image plus conventionnelle et picturale — ce dessin à l’encre se révèle radicalement moderne. Il s’inscrit dans la pureté graphique de ses découpages tardifs et rejoint en quelque sorte le minimalisme spirituel de ses compositions pour la Chapelle du Rosaire à Vence. Cette œuvre résonne également avec l’atmosphère existentielle de l’Europe d’après-guerre, où les artistes se tournèrent de plus en plus vers l’introspection, cherchant la vérité par la simplicité et l’épuration. Réalisé entre 1944 et 1947, lors de la dernière décennie de sa vie, ce portrait semble hors du temps, et sa vitalité ainsi que ses traits vigoureux font complètement abstraction de la réalité de l’artiste, alors âgé d’environ soixante-quinze ans.
Coming directly from the collection of the artist’s family, Henri Matisse’s Autoportrait from the mid-1940s is a rare and introspective work that captures the artist in a moment of profound reflection. Executed in India ink on paper, the drawing is stark and economical, relying on the precision and the expressive power of line rather than color—a medium Matisse had long mastered but here deliberately sets aside. The result is a hauntingly abstracted visage: simplified, almost mask-like, yet unmistakably personal and recognizable.
Created during a period of physical decline and wartime uncertainty, this self-portrait eschews vanity or theatricality. Instead, it offers a distilled essence of the artist’s identity—reduced to bold contours and empty space. The face appears flattened and schematic, with hollow eyes and a rigid mouth, suggesting both resilience and resignation. It is not a likeness in the traditional sense, but a psychological imprint.
Compared to Matisse’s earlier painted self-portraits—such as the 1918 oil held at the Musée d'Orsay, Paris, which presents a more conventional and painterly image—this ink drawing is radically modern. It aligns with the graphic purity of his late cut-outs and to some extent, with the spiritual minimalism of his designs for the Chapelle du Rosaire in Vence. The work also resonates with the existential mood of post-war Europe, where artists increasingly turned inward, seeking truth through reduction. Executed around 1944-47, during the last decade of his life, this portrait seems timeless and its vitality and vigorous lines completely ignore the reality of the seventy-five-year-old or more artist.
Provenant directement de la collection de la famille de l’artiste, cet Autoportrait d’Henri Matisse, datant du milieu des années 1940, est une œuvre rare et introspective qui saisit l’artiste dans un instant de profonde réflexion. Réalisé à l’encre de Chine sur papier, ce dessin se révèle d’une grande sobriété, misant sur la précision et la puissance expressive du trait plutôt que sur la couleur — un médium que Matisse maîtrisait depuis longtemps, mais qu’il choisit ici délibérément de mettre de côté. Le résultat est un visage intensément abstrait : simplifié, tel un masque, mais néanmoins profondément personnel et immédiatement reconnaissable.
Créé durant une période de déclin physique et d’incertitude liée à la guerre, cet autoportrait rejette toute forme de vanité ou de théâtralité. Il offre au contraire l’essence même de l’identité de l’artiste, réduite à ses contours audacieux et à l’espace vide. Le visage apparaît aplati et schématique, avec des yeux creux et une bouche rigide, suggérant à la fois résistance et résignation. Ce n’est pas un portrait fidèle au sens traditionnel, mais une empreinte psychologique.
Comparé aux autoportraits peints antérieurs de Matisse — tels que celui de 1918, conservé au musée d’Orsay à Paris, qui présente une image plus conventionnelle et picturale — ce dessin à l’encre se révèle radicalement moderne. Il s’inscrit dans la pureté graphique de ses découpages tardifs et rejoint en quelque sorte le minimalisme spirituel de ses compositions pour la Chapelle du Rosaire à Vence. Cette œuvre résonne également avec l’atmosphère existentielle de l’Europe d’après-guerre, où les artistes se tournèrent de plus en plus vers l’introspection, cherchant la vérité par la simplicité et l’épuration. Réalisé entre 1944 et 1947, lors de la dernière décennie de sa vie, ce portrait semble hors du temps, et sa vitalité ainsi que ses traits vigoureux font complètement abstraction de la réalité de l’artiste, alors âgé d’environ soixante-quinze ans.
Coming directly from the collection of the artist’s family, Henri Matisse’s Autoportrait from the mid-1940s is a rare and introspective work that captures the artist in a moment of profound reflection. Executed in India ink on paper, the drawing is stark and economical, relying on the precision and the expressive power of line rather than color—a medium Matisse had long mastered but here deliberately sets aside. The result is a hauntingly abstracted visage: simplified, almost mask-like, yet unmistakably personal and recognizable.
Created during a period of physical decline and wartime uncertainty, this self-portrait eschews vanity or theatricality. Instead, it offers a distilled essence of the artist’s identity—reduced to bold contours and empty space. The face appears flattened and schematic, with hollow eyes and a rigid mouth, suggesting both resilience and resignation. It is not a likeness in the traditional sense, but a psychological imprint.
Compared to Matisse’s earlier painted self-portraits—such as the 1918 oil held at the Musée d'Orsay, Paris, which presents a more conventional and painterly image—this ink drawing is radically modern. It aligns with the graphic purity of his late cut-outs and to some extent, with the spiritual minimalism of his designs for the Chapelle du Rosaire in Vence. The work also resonates with the existential mood of post-war Europe, where artists increasingly turned inward, seeking truth through reduction. Executed around 1944-47, during the last decade of his life, this portrait seems timeless and its vitality and vigorous lines completely ignore the reality of the seventy-five-year-old or more artist.
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