嶋本昭三

撞擊玻璃瓶－ 埋伏在毀壞中的自由與創新 嶋本昭三探討的是顏色如何能脫離其表徵符號的角色。不論是「渦流」或是「撞擊玻璃瓶藝術表演」，顏色在他嶄新的創作手法下，和觀者產生強烈的心靈互動，這種深層的感應已超越顏色作為傳統繪畫語言所能表達的內容。1947 年，即戰後初期，嶋本昭三在19 歲時認識了吉源治良，他們從不間斷地探討戰後國際藝術發展的可能性。嶋本不單是「具體」藝術運動的創立成員之一，更極具前瞻性地為此運動定立了一針見血的名稱。 早在五十年代中期，嶋本探索新的創作方法來表現顏色，他選擇了「毀壞」。在萬物皆為一個循環的概念下，「毀壞」和「重新」都是環環相扣，而「機會」往往埋伏在這轉化的過程中。1956 年，嶋本在「第二屆具體互外展覽」首次發表「毀壞藝術表演」，他以火炮把注滿顏料的袋射向布料；同年10 月，嶋本把大幅畫布鋪在地上，再把一塊石頭放在畫布中央，然後向石頭投擲注滿顏料的玻璃瓶，這是不僅是「撞擊玻璃瓶藝術表演」的起源，更是「具體」藝術運動中「行動藝術」的先峰，引起國際關注。1956 年及1959 年，美國《生活》雜誌和英國廣播公司報導嶋本「毀壞藝術表演」。1993 年、1999 年及2004 年，嶋本獲邀參加「威尼斯雙年展」，進行「撞擊玻璃瓶藝術表演」。 嶋本對「毀壞」、「投擲」的關注或與日本在二次大戰時遭美軍空襲的歷史有關。1945 年，美軍空襲大阪時，嶋本昭三只有17 歲，正是探索人生的階段。從天而降的炸彈造成慘烈的傷亡，烙印在日本人的腦裡。嶋本的「撞擊玻璃瓶藝術表演」並非指向負面的「毀壞」，反之是正面的「重生」。嶋本昭三致力透過藝術推動和平，1996 年他與當年制作原子彈的核子科學家Bern Porter 會面；1996 年獲提名諾貝爾和平獎；2000 年在日本展開「和平的證明」藝術表演；2007 年更獲中國政府之邀請在北京進行「撞擊玻璃瓶藝術表演」紀念中日邦交正常化。 嶋本用其身體，把個人的精神和物理力量與色彩結合，穿過「時間」( 投擲玻璃瓶和玻璃瓶接觸地面相隔的時間)、「空間」( 投擲玻璃瓶和畫布的距離)，轉化為獨立的結果。嶋本曾說：「我認為以投擲注滿了液體顏料玻璃瓶的方式作畫，是對未知的探究。我發現不能預測的繪畫結果所誘發出的啟發比別的繪畫更強烈、更深遠。」1 1991 年《無題》( 撞擊玻璃瓶)(Lot 71) 和2010 年《無題》(Lot 70) 乃嶋本在不同地點進行藝術表演的結果，在表演完結後，藝術家親自決定如何分割畫面，讓作品脫離整體。作品豐富的細節 — 擦印、滴漏、刮痕、粘結油彩的玻璃碎片、糾纏的色彩，使之開展另一個獨立的生命之旅。 「自由」是嶋本昭三藝術的內涵。他指出：「繪畫這個行為促進了自由的表達。」1950 年，嶋本畢業於Kansai Gakuin 大學，及後成為大阪市立中學的美術老師。嶋本憶述當時戰後社會物資短決，小朋友都負擔不起買油彩，很多學生連畫筆都沒有。這個環境卻燃點起老師和學生的創意。一名學生提出把水墨灑在腳上，用腳繪畫，意外地創作出充滿能量的畫作。 嶋本深刻的把握了「自由」就是創作的初衷，全心顛覆高尚藝術對技巧和媒材的規範。正如學者博尼托．奧利娃提出「藝術不再是結果，而是手法。」2 在1950 年代，嶋本竭力尋找嶄新的創作過程和藝術表達手法。1957 年，他撰寫一篇名為「處罰畫筆」的文章，質疑畫筆和顏料的從屬關係，他提出「我認為首要的是把顏色從畫筆中釋放，如果在繪畫時沒打算拋開畫筆，那麼便無法解放顏色。離開了畫筆，顏色便得到自由的生命。」3 嶋本昭三渴望其藝術，甚至是顏色本身都能體現一種「自由」，他相信心靈的自由可以引發與眾不同的創造力。 《無題》( 渦流) (Lot 69) 體現出藝術家在放棄畫筆的情況下，讓顏色在畫布上獲得迴異的表現。六十年代中至末期，嶋本選擇瓷漆和漏斗創作《渦流》系列。《無題》( 渦流) 由三段組成，嶋本在白色背景上找出中心點，他把不同顏色的瓷漆用漏斗滴漏，一層一層的在畫面上流動，形成複雜的色彩交織。藝術家選擇通常在工業用的瓷漆，它附著力強、耐候性、耐水性，而且具有良好的光澤，嶋本讓顏色自由流動、碰撞、糾結、交纏，結果都是不可預測的。1950 年代中期，美國普普藝術以日常生活中出現的物料，如報紙、雜誌創作代表大眾文化的藝術。在同一時期，1954 年日本「具體」藝術脫離傳統高尚藝術的材枓和技巧，在實際生活環境找出創作材料，表現物料的內在性格。安迪．沃荷曾說：「每種東西都存在美，但不是所有人都看見。」可見，五十年代，不論是東方或是西方都在拉闊藝術的意義，在戰後初期一同走進後現代主義，提出藝術中材料和訊息同等重要的前衛方向。