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拍品專文
鄭相和是引領韓國單色畫運動的代表人物之一，而單色畫運動在全球藝壇日漸受到矚目。鄭相和在高知名度的機構舉辦了多次展覽，包括2016 和2017 於紐約和倫敦所進行的個展；這些活動，讓西方觀眾得以認識鄭相和深廣的藝術和哲思，同時也受到公眾和藝評家的重視和好評。
鄭相和於1960 年代末期結束了他在巴黎的西方藝術探索之旅，並自1970 年代初開始精研自己的「撕」和「填滿」藝術工法。他先在整個畫布塗滿鋅製底漆，等待布面全乾。接著，他小心翼翼地將畫布沿著他所標的線折好，然後把顏料從選定的格子中撕下來。那些已被撕撤顏料的空格子，再以層層複合的丙烯酸顏料填滿。鄭相和就這麼重複著「撕」和「填滿」的藝創技法，直到他在減和增之間找到完美的平衡為止。在這整個過程，鄭相和的作品從而滲滿了他身體所進行的各種創作姿勢，甚至還浸潤了他的氣息。他揚棄了多色用法，決心要專注創造出畫布的獨特質地語言。透過這種方式，鄭相和的畫作幻化成一座雕塑，並將堅實有形的感知力放到極致。
鄭相和的單色平面效果，透過冥想的重複動作成功地達到了無限的暫時和普世性。鄭相和獨到的藝術騏驥和生花妙筆，以及冗長創作過程中重複動作所需的專注紀律，是使他畫作幻化並超越了形式幾何藝作之限、成為無垠宇宙的主要元素之一，召喚著觀者陷入沈思冥想之域。
這裡所展示的《無題85-8-9》( 拍品編號43) 昭顯了漸層顏色之美，令人著迷不已。韓國藝評家Chae Ok-Yang 寫道：「鄭相和的單色畫作為觀者提供了各別各樣的視覺印象。有些作品展示了幽微的顏色漸層感，其他則敘述著單一顏色的鮮豔幅圍。鄭相和的手法與俄國的馬列維奇相仿，使用一種不同的白色色調來顯示細微差異。」儘管他自1960 年起、歷經六十年的藝涯作品集一直廣受全球的藝術鑑賞家所喜愛，他1980 年以降的藝作，由於數量有限、而且細緻的漸層顏色技法精熟，在市場特別受到青睞，如這張《無題85-8-9》所示。
《無題85-8-9》明確顯示這種節制的顏色選擇，讓鄭相和得以盡情發揮畫布質地的特性，將其作為一座塑像來處理。這些作品不再僅是純粹的繪畫過程，而不折不扣地成為大自然的纖細表象。歐洲最具名望的博物館館長及藝術史學家，羅蘭．艾格指出，鄭相和的畫作看似一個天然、中立且是物質性之實體的物件，沒有刻意、獨斷或說教式的敘述，他對鄭相和的作品下了這樣的評論，「觀者對於畫作之感官表面的視覺細節、畫家的細心敏銳的介入、以及他用來建構作品的圖繪和物理方法愈產生興趣，就會愈靠近作品的精神…對創作過程以外的冥想和情感境域再進一步細讀，即成為詩篇，就是作品純詩意的策略。」
鄭相和十分強調展現他藝創過程的重要性，他表示，「最終結果並非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」透過這種工法精神，創作過程成為作品的意義指標，而著重靈性淨化和心智紀律的亞洲文人傳統，則是娓娓地灌入他的冥思畫作。一篇刊登於亞太藝術的評論文章，深入探索鄭相和在一間著名紐約藝廊的個展，並對理解鄭相和作品的精義提供見解：「當我們仔細檢驗鄭相和這些藝作，同時顧念它們產出者的付出，就會對創作這些繪品的過程感到困惑不已。畫布上的格子和刻痕並非是表現主義的示勢、疾速動作或是舞蹈的結果；它們看起來並不費力；也就是說，人的本身成為一種受制的工具。反之，在這些作品的藝程當中，創作家的心力與舞蹈和表達精神合而為一，成為一種靜默的微聲。畫布上的格子和線條空間內不再是平板、固定靜態的顏色小方塊，而是活躍奔放顏料所留下的點滴和漣漪 – 每個格子好似都能自成一個畫面故事。」
如一位藝評家所言，「鄭相和的作品展示了介於有形考量、以及他對西方繪畫史濃厚興趣間的罕見平衡，卻又同時強烈吸引觀者進入深層的冥想之域。」在日本和法國生活、工作了三十多年的鄭相和，直到1992 年才決定回到母國永久定居；他的人生就是一場尋找抽象藝術和冥想畫作的新形式、好協助他建構自己身份的壯麗遠征。
鄭相和的作品得見於以下這些知名展館：法國聖艾蒂安現代藝術博物館、波蘭的波茲南雙年展、日本大阪國立國際美術館、福岡的福岡藝術博物館、韓國的國立現代美術館、以及首爾藝術博物館。他的畫作也隸屬於三星現代藝術博物館、首爾藝術博物館、釜山市立美術館、日本東京國立近代美術館、靜岡縣立美術館、福岡亞洲
美術館、和其他許多展館的常年展。
「最終結果並非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」- 鄭相和
鄭相和於1960 年代末期結束了他在巴黎的西方藝術探索之旅，並自1970 年代初開始精研自己的「撕」和「填滿」藝術工法。他先在整個畫布塗滿鋅製底漆，等待布面全乾。接著，他小心翼翼地將畫布沿著他所標的線折好，然後把顏料從選定的格子中撕下來。那些已被撕撤顏料的空格子，再以層層複合的丙烯酸顏料填滿。鄭相和就這麼重複著「撕」和「填滿」的藝創技法，直到他在減和增之間找到完美的平衡為止。在這整個過程，鄭相和的作品從而滲滿了他身體所進行的各種創作姿勢，甚至還浸潤了他的氣息。他揚棄了多色用法，決心要專注創造出畫布的獨特質地語言。透過這種方式，鄭相和的畫作幻化成一座雕塑，並將堅實有形的感知力放到極致。
鄭相和的單色平面效果，透過冥想的重複動作成功地達到了無限的暫時和普世性。鄭相和獨到的藝術騏驥和生花妙筆，以及冗長創作過程中重複動作所需的專注紀律，是使他畫作幻化並超越了形式幾何藝作之限、成為無垠宇宙的主要元素之一，召喚著觀者陷入沈思冥想之域。
這裡所展示的《無題85-8-9》( 拍品編號43) 昭顯了漸層顏色之美，令人著迷不已。韓國藝評家Chae Ok-Yang 寫道：「鄭相和的單色畫作為觀者提供了各別各樣的視覺印象。有些作品展示了幽微的顏色漸層感，其他則敘述著單一顏色的鮮豔幅圍。鄭相和的手法與俄國的馬列維奇相仿，使用一種不同的白色色調來顯示細微差異。」儘管他自1960 年起、歷經六十年的藝涯作品集一直廣受全球的藝術鑑賞家所喜愛，他1980 年以降的藝作，由於數量有限、而且細緻的漸層顏色技法精熟，在市場特別受到青睞，如這張《無題85-8-9》所示。
《無題85-8-9》明確顯示這種節制的顏色選擇，讓鄭相和得以盡情發揮畫布質地的特性，將其作為一座塑像來處理。這些作品不再僅是純粹的繪畫過程，而不折不扣地成為大自然的纖細表象。歐洲最具名望的博物館館長及藝術史學家，羅蘭．艾格指出，鄭相和的畫作看似一個天然、中立且是物質性之實體的物件，沒有刻意、獨斷或說教式的敘述，他對鄭相和的作品下了這樣的評論，「觀者對於畫作之感官表面的視覺細節、畫家的細心敏銳的介入、以及他用來建構作品的圖繪和物理方法愈產生興趣，就會愈靠近作品的精神…對創作過程以外的冥想和情感境域再進一步細讀，即成為詩篇，就是作品純詩意的策略。」
鄭相和十分強調展現他藝創過程的重要性，他表示，「最終結果並非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」透過這種工法精神，創作過程成為作品的意義指標，而著重靈性淨化和心智紀律的亞洲文人傳統，則是娓娓地灌入他的冥思畫作。一篇刊登於亞太藝術的評論文章，深入探索鄭相和在一間著名紐約藝廊的個展，並對理解鄭相和作品的精義提供見解：「當我們仔細檢驗鄭相和這些藝作，同時顧念它們產出者的付出，就會對創作這些繪品的過程感到困惑不已。畫布上的格子和刻痕並非是表現主義的示勢、疾速動作或是舞蹈的結果；它們看起來並不費力；也就是說，人的本身成為一種受制的工具。反之，在這些作品的藝程當中，創作家的心力與舞蹈和表達精神合而為一，成為一種靜默的微聲。畫布上的格子和線條空間內不再是平板、固定靜態的顏色小方塊，而是活躍奔放顏料所留下的點滴和漣漪 – 每個格子好似都能自成一個畫面故事。」
如一位藝評家所言，「鄭相和的作品展示了介於有形考量、以及他對西方繪畫史濃厚興趣間的罕見平衡，卻又同時強烈吸引觀者進入深層的冥想之域。」在日本和法國生活、工作了三十多年的鄭相和，直到1992 年才決定回到母國永久定居；他的人生就是一場尋找抽象藝術和冥想畫作的新形式、好協助他建構自己身份的壯麗遠征。
鄭相和的作品得見於以下這些知名展館：法國聖艾蒂安現代藝術博物館、波蘭的波茲南雙年展、日本大阪國立國際美術館、福岡的福岡藝術博物館、韓國的國立現代美術館、以及首爾藝術博物館。他的畫作也隸屬於三星現代藝術博物館、首爾藝術博物館、釜山市立美術館、日本東京國立近代美術館、靜岡縣立美術館、福岡亞洲
美術館、和其他許多展館的常年展。
「最終結果並非是我作品的目標；呈現創作過程才是。」- 鄭相和