花園裡的音樂家

這幅令人愉悅的絹本水粉作品，畫幅尺寸特別大，主題也罕見，黎譜向我們展示了兩位東京音樂家：一位優雅的吹笛者和一位年輕的彈月琴演奏者。

畫作的背面能看到來自著名裱框師「巴黎美國美術公司」的標籤，該公司活躍於1955年至2013年間，表明收藏家對此作在裝裱上付出的特別關注。

除了傳統的東京頭飾外，這位年輕女子還穿著由阮吉祥在1930年代重新詮釋的奧黛。

輕盈的圍巾優雅地環繞著年輕女子的身體，增強了黃褐色衣服帶出微妙的性感。 一隻低調的珍珠耳環呼應了奧黛上的兩個扣子。 這幅作品的另一個獨特之處在於畫家對捕捉音樂家臉龐，其優雅之處給予了特別關注。她熟練而優雅的手握著笛子，輕輕地吹著笛子，雙手仿佛被淡淡的白色水粉層層包裹，這種水粉也出現在她的臉上，結合了專注力和執行力。

儘管這位女士莊嚴地佔據著畫面的中心，月琴演奏者偏移到右方，幾乎並沒有與情景相連，樂器的聲音似乎如一條深沉的墨線邊緣包圍在樂器的底部，為畫面添磚加瓦。植物作為整個畫面的背景：樹幹支撐著年輕女子，同時樹葉包裹著她，由左到右、由下到上，變得越來越濃密和黑暗，確立了某種距離感。

在他的絹布上，黎譜使用柔和的顏色，這是水粉技術專利，並以頭髮和彈月琴的墨黑色為畫面建立結構。

藝術家將人物從腰部截斷，定義他們為音樂家，同時將他們的樂器進行風格化處理，甚至切斷右上角的樂器，他要表達的是我們將永遠聽不到這些音樂家演奏的音樂。

音樂是聲音的藝術，聲音在時間中組合比在空間中為佳，可以成為節奏的一部分。

這裡描繪的兩種樂器有著兩種不同的音色。 然而，即使音樂家們各自演奏，也能辨認出演奏的音樂，性別、樂器、地點、時間等這一切都無關緊要。即使我們可能有偏好，正如畫家在這裡（以及他其他所有的作品中）偏愛這位光芒四射的女士所展示的。 不同的音色、選擇的旋律或和聲，這都不重要，作曲家的創作將將可被認出來。

黎譜提醒我們，重要的是作品本身，而不是其構成的樂器，與音樂完全相反，繪畫中作曲家和演奏者是一體的。

因此，《花園裡的音樂家》傳達了黎譜對人道主義永恆追求的精神，表達了一種拒絕屈服的主張，那是自他1937起所居住的法國，在1940年面對的。

在黑格爾的《美學》中，他將藝術作品視為對理念的感性表現。他認為音樂比繪畫更具靈性，因為它有「沒有延伸或固定」的東西，這使得它能夠表達「靈魂本身」。

但是，黎譜的朋友如梅忠恕和武高談、以後的趙無極和朱德群等表明，正是他作為藝術家——自願的自我放逐者，不再具有伸延性和固定的東西，所以他不只是靈性的，他就是靈魂，這就是繪畫比音樂更有力量的地方。

影射的智慧與幻覺的好鬥相對立。

黎譜提醒我們，繪畫可以歌唱，音樂可以喚起畫面。 但唯一重要、不能替代的樂器是藝術家。

影射的智慧：在他明智的藝術下，他並不強加什麼，只會建議。

拒絕幻覺的好勇鬥狠：遠離動蕩的越南，在焦慮的法國，他主張畫家無所不能，甚至能擺脫他的命運。

對他來說，直覺上，「存在先於本質」。

讓•弗朗索瓦•于貝爾
越南藝術高級專家