尚·杜布菲：你需要知道的10件事

尚·杜布菲1901年出生於勒阿弗爾港口一個中產酒商家庭，他於1918年到巴黎修讀繪畫，並結識了1920年代巴黎藝壇的重要人物，例如胡安‧格里斯（Juan Gris）與費爾南‧雷傑（Fernand Léger）。但到了1924年，杜布菲對繪畫的幻想破滅並放下畫筆，八年內專心經營家族生意。到了1930年代中期，他重拾繪畫，但很快又再次放棄，直至1942年，杜布菲才真正成為一名畫家。

重新開始繪畫後，杜布菲以一種充滿活力的全新藝術語彙描繪日常生活題材。在童年好友喬治·蘭布赫（Georges Limbour）的介紹下，他結識了巴黎的前衛先鋒，包括超現實主義詩人保爾·艾呂雅（Paul Éluard）和表現主義畫家尚·福特里埃（Jean Fautrier）等，他們均非常欣賞杜布菲的作品。杜布菲於1944年在巴黎勒內·德魯因畫廊（René Drouin）舉行的首場個人展覽震驚一眾藝評家，亦鞏固了他在前衛藝術領域的先驅地位。

杜布菲在1945年曾說：「一件事越平庸，便越適合我。幸好我不認為自己有任何傑出之處。我希望在畫作中重現一個平凡人的視野。」

他在1943年創作的《地下鐵》系列，反映出他對平凡生活的熱愛，他在畫中傾注原始力量，以明亮色彩、粗獷筆觸和刻意營造的稚氣畫風描繪巴黎地下鐵的乘客。其風格受史前藝術、兒童畫作和巴黎街頭的塗鴉藝術影響，而他尤其專注於一種獨特原始的藝術風格，亦即局外人的作品。

杜布菲形容自己抗拒正統學院派藝術的態度為「反文化」，而他對另類創意的追求，使他結識了遠離主流的藝術家。他在法國和瑞士進行研究後，接觸到一些非刻意、未受過正規訓練的藝術家作品，他們大多患有精神病或身體殘障。在巴黎舉辦的一場藝術展展出60名業餘藝術家的200件作品，杜布菲為展覽撰寫文章時稱這類藝術為「原生藝術」（Art Brut）。「它（原生藝術）指從未接觸過藝術文化的人所創作的作品，這些藝術家創作過程與知識分子不同，幾乎不存在模仿的行為，所以他們所畫的一切（題材、所用媒材、調換方法、節奏、書寫方式等）均發自內心，而並非來自古典藝術的陳腔濫調或時下流行的藝術潮流。」

他的作品繼而邁進截然不同的新領域。1947年2月，由於巴黎在嚴冬期間實施煤炭管制，杜布菲與妻子莉莉（Lili）首次前往阿爾及利亞的小綠洲古萊阿避寒，此後數次到訪此地。旅程其間，杜布菲經常接觸貝都恩人，並被他們的古老部落儀式深深打動，藝術家以原生藝術為靈感而創作的作品採用未經修飾的視覺語言，與貝都恩儀式有異曲同工之妙。杜布菲在遊覽撒哈拉期間，創作出《兩個打手勢的阿拉伯人》，於2017年3月在佳士得以1,109,000英鎊的價格成交。

杜布菲亦收藏了大量原生藝術作品，當他在1971年把珍藏捐贈予洛桑市時，已蒐集來自133位藝術家的5,000件作品，這批珍藏為1976年開幕的洛桑原生藝術博物館奠定了堅實基礎。

對杜布菲而言，學院派肖像畫的傳統寫真主張毫無意義，而除他之外，少有藝術家能夠在歷史上留下如此濃墨重彩的一筆。在杜布菲於1946至1947年創作的一系列肖像畫中，他將亨利·米肖(Henri Michaux)和福特里埃（Fautrier）等文學和藝術巨匠變成漫畫人物。

他形容這些作品為「反心理」、「反個人主義」：「我認為將模特兒的個性消除，並從非常籠統的人物角度處理圖像，就能協助觀賞者開啟不同的想象方式，激發他們的興趣，大大加強畫作的寫實力量。」

杜布菲經常發展出新的創作技巧。他在1940年代以焦油、瀝青、煤灰、鵝卵石和玻璃等物料，創出他稱為「厚塗」（hautes pâtes）的媒介。他會在黏稠的表面急速地刮出簡單的形態。他隨後再創出「擊塗」（pâtes battues），以深色為背景，並以抹灰刀塗上一層厚厚的白色塗料。他表示會「劃過平滑的塗層，毫不費力地勾勒出渾厚色彩的塗鴉。」杜布菲也接受偶然性，享受「籠罩畫作的不確定性」。

後來，杜布菲參照傳統提洛爾泥水匠所用的技巧，獨創出《肌理學》抽象畫系列。他在畫布上灑滿小滴的顏料，再結合各種元素，包括拼貼元素和沙粒，希望透過泥土中「充滿生機的物質」和宇宙星宿，來描繪天堂與人世。

若說巴黎啓發了杜布菲在1940年代初的藝術突破，這個城市則於1960年代初再次解放了他。在1954至1961年間，杜布菲遷離巴黎，搬到郊區，先到奧弗涅的迪爾托，再到蔚藍海岸的旺斯。後來，他希望重返巴黎，而當他真正返回城市後，便進入創意最澎湃的時期。

《房子四周》（上圖）此作來自其1957年4月至9月期間創作的《草書之地》（Lieux cursifs）系列，那時他大部分時間留在鄉野，間中定期回巴黎的家。

在《巴黎馬戲團》系列作品中，杜布菲嘗試描繪這個再次令自己迷醉不已的城市。近年來，佳士得先後拍出兩幅此系列的作品，分別為《巴黎波爾卡》和《大動脈》（均作於1961年），兩者均刷新杜布菲作品世界拍賣紀錄。作品色彩豐富，幾近狂亂，因為杜布菲希望巴黎的不同元素能一同「瘋狂舞動」。 

《有鈕釦的裙子》（上圖）作於1961年9月4日，是杜布菲《巴黎馬戲團》系列當中五幅出色人物畫的首幅及最大尺寸作品。摒棄他在旺斯時大量創作的暗黑主題，他讚揚大都會生活，從身邊的人物、對話和五光十色汲取靈感，將印象以顏料塗抹於畫布、畫板和紙張上，他塑造了一種其後被視為全新形式的當代都市藝術，啟發尚·米榭·巴斯奇亞（Jean-Michel Basquiat）和凱斯·哈林（Keith Haring）等藝術家。

 《有鈕釦的裙子》可以被理解為當中其中一塊拼圖：歌頌屬於當時巴黎典型印記的新款時裝和城市浪蕩子。

將於2月12日亮相倫敦拍賣會的1978年作品《全景》，是杜布菲《記憶舞台》（Théatres de mémoire）系列的傑出之作，創作於他生前的最後十年期間。高逾兩米、寬近三米，作品呼應其1960年代早期《巴黎馬戲團》系列滿載的都會氣息。 

參與創作《記憶舞台》的每件物事都是為這個系列而造；杜布菲會利用梯子、磁鐵和大片的金屬來協助他組合巨幅作品，然後再將它小心地移到畫布上——這對於年近八十的他來說是一項大型體力勞動。

有賴藝術商皮耶‧馬蒂斯（Pierre Matisse，亨利‧馬蒂斯之子）與藝評人克萊門特·格林伯格（Clement Greenberg）的支持，杜布菲在美國很快聲名大噪，當時紐約正逐步取代巴黎成為藝術世界的中心。馬蒂斯在1947年為杜布菲舉辦第一場紐約個展，而一年前，格林伯格亦形容藝術家為「自米羅以來最傑出的巴黎派新星」。

此後，杜布菲經常在紐約舉行作品展，其不少代表鉅作亦成為美國博物館收藏，最熱衷收藏杜布菲作品的藏家中有不少美國人，例如芝加哥工業家莫里斯·卡爾伯格（Maurice Culberg）等。

1962年7月的某一天，杜布菲在打電話時以原子筆隨手亂畫，結果成為神來之筆：一個個以線條表示陰影的形體相連，最終組成《烏爾盧普》系列的多幅作品，藝術家有12年的時間都專注於此系列創作。

作品起初僅以原子筆的紅、黑、藍三色創作，後來再發展成多色畫作，例如2017年3月在佳士得以10,021,000英鎊拍出的《存在與出現》，當中的形體完全抽象，又或源自人體和動物。杜布菲指：「這批作品的特點，在於其帶有比以往更隨意和不理性的創作心態。」

《烏爾盧普》系列不久便脫離了一般畫作的長方形格式，在1970年代初，杜布菲著手創作《可用物》系列，包括多幅不規則形狀、設有滾輪的移動畫作。現在，藝術家的大型雕塑作品遍布巴黎、紐約等地的公共空間，但他最進取的晚期作品卻是建築圖則。

最大型的一幅為1,600平方米的《法拉芭拉園圃》，作品位於巴黎南面，是一個連圍牆的空間，以設置杜布菲口中「哲學修練密室」的《符義小屋》，那仍是一幅《烏爾盧普》畫作，不過人能居住其中。杜布菲亦設計了《人物塔》，那是一座矗立在巴黎塞納河畔聖日耳曼島的巨塔，在他逝世後於1985年5月完工。