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The Art of Collecting: Property from a Distinguished Private Collector
Pierre Bonnard (1867-1947)
L'Homme et la Femme
Details
Pierre Bonnard (1867-1947)
L'Homme et la Femme
avec le cachet 'Bonnard' (en bas à gauche; Lugt 3886)
huile sur toile
110.7 x 64.5 cm.
Peint vers 1900
stamped 'Bonnard' (lower left; Lugt 3886)
oil on canvas
43 ½ x 25 3⁄8 in.
Painted circa 1900
L'Homme et la Femme
avec le cachet 'Bonnard' (en bas à gauche; Lugt 3886)
huile sur toile
110.7 x 64.5 cm.
Peint vers 1900
stamped 'Bonnard' (lower left; Lugt 3886)
oil on canvas
43 ½ x 25 3⁄8 in.
Painted circa 1900
Provenance
Atelier de l'artiste.
Collection particulière (par descendance).
Vente, Sotheby's, New York, 14 mai 1985, lot 60.
Collection particulière, États-Unis; vente, Sotheby's, New York, 1er mai 1996, lot 36.
Acquis au cours de cette vente par le propriétaire actuel.
Collection particulière (par descendance).
Vente, Sotheby's, New York, 14 mai 1985, lot 60.
Collection particulière, États-Unis; vente, Sotheby's, New York, 1er mai 1996, lot 36.
Acquis au cours de cette vente par le propriétaire actuel.
Literature
J. et H. Dauberville, Bonnard, Catalogue raisonné de l'œuvre peint, 1940-1947 et supplément 1887-1939, Paris, 1974, vol. IV, p. 205, no. 01828 (illustré).
Further Details
Peinte vers 1900 par Pierre Bonnard, L’Homme et la Femme, constitue une étude préparatoire pour le chef-d’œuvre éponyme et aux dimensions similaires (115 x 72.3 cm), aujourd’hui conservé au Musée d’Orsay à Paris. Composition audacieuse et ambiguë, L’Homme et la Femme impose au spectateur un gros plan intimiste, qui entraîne irrésistiblement le spectateur au cœur de la scène. L’homme nu, placé au premier plan, se dresse avec une confiance tranquille, tandis qu’il se change derrière un paravent. Comme dans de nombreuses œuvres de Bonnard à la charnière du siècle, l’artiste intègre pleinement les innovations plastiques issues de la découverte récente de la photographie, qu’il transpose avec subtilité dans son langage pictural.
L’Homme et la Femme est une méditation silencieuse sur l’intimité et la distance émotionnelle, peinte à un moment où Bonnard explore en profondeur les thèmes domestiques et la complexité des relations humaines. La scène se déroule dans une chambre faiblement éclairée : une femme nue, assise sur un lit, apparaît pensive, baignée d’une lumière chaude, tandis qu’un homme nu se tient derrière un paravent sombre, partiellement dissimulé, semblant détaché. Ce paravent divise la composition et devient symbole de séparation et de retrait affectif, évoquant une mélancolie post-coïtale.
Comme toujours chez Bonnard, la lumière et la couleur jouent un rôle essentiel. Les rouges et bruns terreux dominent l’arrière-plan, tandis que des jaunes pâles et des blancs lumineux soulignent la figure féminine, créant un effet de clair-obscur qui intensifie la tension émotionnelle. Cette œuvre semble d’ailleurs avoir inspiré certaines scènes intimistes les plus tendues de Walter Sickert, notamment Camden Town Interior (1912). La touche, libre et expressive, traduit le style postimpressionniste de Bonnard, privilégiant l’atmosphère et la sensation à la précision descriptive.
La critique Sasha M. Newman a également mis en lumière le dialogue artistique entre Bonnard et Edvard Munch, dont les œuvres furent régulièrement exposées à Paris dans les années 1890. Elle écrit : « Dans L’Homme et la Femme, Bonnard cherche à fusionner les préoccupations formelles du synthétisme français avec le contenu du symbolisme international – passant du naturalisme à un art hautement subjectif et chargé d’émotion. L’Homme et la Femme se rapproche, dans l’esprit, des œuvres de Munch qui explorent la relation entre les sexes – en particulier sa série L’Amour, exposée à Paris en 1897 au Salon de L’Art Nouveau de Samuel Bing » (S. M. Newman, éd., Bonnard, The Late Paintings, Washington, D.C.,1984, p. 108).
Cette toile se distingue des scènes domestiques plus idylliques de Bonnard, souvent centrées sur sa compagne Marthe de Méligny, comme dans La Sieste (1900, National Gallery of Victoria, Melbourne), évocation rêveuse de la quiétude et de la sensualité du foyer. Si la plupart de ses œuvres célèbrent la chaleur et la douceur de l’intimité, L’Homme et la Femme introduit un ton plus introspectif et ambigu. La distance émotionnelle entre les figures, renforcée par la présence physique du paravent, suggère une réflexion profonde sur l’amour, le désir et l’aliénation. Le cadre quasi théâtral accentue la tension dramatique de la scène, laissant au spectateur la liberté d’interpréter les intentions de l’artiste.
Enfin, le tableau témoigne de la fascination de Bonnard pour l’esthétique japonaise, notamment dans l’usage des paravents et des cadrages resserrés, héritage de son appartenance au groupe des Nabis. Ici, toutefois, le paravent n’a rien de décoratif : il devient un symbole, une surface vide qui souligne le vide émotionnel entre les deux protagonistes.
Pierre Bonnard’s L'Homme et la Femme, painted circa 1900 is a large preparatory oil painting (110.7 x 64.5 cm.) for the masterpiece bearing the same title and measuring almost the same size (115 x 72.3 cm.), that hangs today in the Musée d’Orsay Paris. This very ambiguous and daring composition, taken almost as a close-up snapshot of the scene, unavoidably draws the viewer directly into the scene, confronted with the naked man posing confidently in the foreground of the painting, as he changes behind a screen. As seen in many works by Bonnard around the turn of the 20th century, he fully integrated the plastic innovations that the recent discovery of photography offered painters.
L'Homme et la Femme is a quietly poignant meditation on intimacy and emotional distance, painted at the turn of the century when the artist was deeply engaged with domestic themes and the complexities of human relationships. The scene unfolds in a dimly lit bedroom: a nude woman sits contemplatively on a bed, bathed in warm light, while a nude man stands behind a dark screen, partially obscured and seemingly disengaged. The composition is divided by this screen, a symbol of separation and emotional withdrawal, evoking a post-coital melancholy.
Bonnard’s use of color and light, as always, is masterful—earthy reds and browns dominate the background, while pale yellows and whites illuminate the woman’s figure, creating a chiaroscuro effect that heightens the emotional tension. To some extent, this particular work by Bonnard seems to have inspired some of Walter Sickert’s most tense intimiste scenes, as evident for example in Camden Town Interior painted by the British painter in 1912. In L'Homme et la Femme the brushwork is loose and expressive, characteristic of Bonnard’s post-impressionist style, which favored atmosphere and mood over precise detail. Sasha M. Newman has also argued the artistic dialogue between Edvard Munch’s paintings – that were regularly exhibited in Paris in the 1890s – and the present work by Bonnard, writing: "In L'Homme et la Femme, Bonnard was striving for a fusion of French Synthetist formal concerns with the content of International Symbolism – moving from Naturalism to a highly subjective, emotionally charged art. L'Homme et la Femme is closet in feeling to those works by Munch which also explore the relationship between the sexes – particularly his L'Amour series of fifteen paintings which were exhibited in Paris in 1897 at Samuel Bing’s Salon de L’Art Nouveau. Munch’s famous exploration of the interaction between man and woman, finds French expression in Bonnard’s roughly contemporaneous work’ (S. M. Newman, ed., Bonnard, The Late Paintings, Washington, D.C., 1984, p. 108).
This painting stands apart from Bonnard’s more idyllic domestic scenes, which often feature his lifelong companion Marthe de Méligny in moments of quiet solitude or bathing rituals, as represented in La Sieste (1900; National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia) – a dreamlike representation of domestic tranquility and sensual repose. While many of his works celebrate sensuality and the warmth of shared space, L'Homme et la Femme introduces a more introspective and ambiguous tone. The emotional detachment between the figures, reinforced by the physical barrier of the screen, suggests a deeper reflection on the nature of love, desire, and alienation. The almost theatrical setting accentuates the drama and tension of the scene, leaving the viewer to make his own interpretation of Bonnard here depicts.
The painting also reflects Bonnard’s fascination with Japanese aesthetics—particularly the use of screens and cropped compositions—which he absorbed through his association with the Nabis group. Yet here, the screen is not decorative but symbolic, its blank face emphasizing the emotional void between the couple.
L’Homme et la Femme est une méditation silencieuse sur l’intimité et la distance émotionnelle, peinte à un moment où Bonnard explore en profondeur les thèmes domestiques et la complexité des relations humaines. La scène se déroule dans une chambre faiblement éclairée : une femme nue, assise sur un lit, apparaît pensive, baignée d’une lumière chaude, tandis qu’un homme nu se tient derrière un paravent sombre, partiellement dissimulé, semblant détaché. Ce paravent divise la composition et devient symbole de séparation et de retrait affectif, évoquant une mélancolie post-coïtale.
Comme toujours chez Bonnard, la lumière et la couleur jouent un rôle essentiel. Les rouges et bruns terreux dominent l’arrière-plan, tandis que des jaunes pâles et des blancs lumineux soulignent la figure féminine, créant un effet de clair-obscur qui intensifie la tension émotionnelle. Cette œuvre semble d’ailleurs avoir inspiré certaines scènes intimistes les plus tendues de Walter Sickert, notamment Camden Town Interior (1912). La touche, libre et expressive, traduit le style postimpressionniste de Bonnard, privilégiant l’atmosphère et la sensation à la précision descriptive.
La critique Sasha M. Newman a également mis en lumière le dialogue artistique entre Bonnard et Edvard Munch, dont les œuvres furent régulièrement exposées à Paris dans les années 1890. Elle écrit : « Dans L’Homme et la Femme, Bonnard cherche à fusionner les préoccupations formelles du synthétisme français avec le contenu du symbolisme international – passant du naturalisme à un art hautement subjectif et chargé d’émotion. L’Homme et la Femme se rapproche, dans l’esprit, des œuvres de Munch qui explorent la relation entre les sexes – en particulier sa série L’Amour, exposée à Paris en 1897 au Salon de L’Art Nouveau de Samuel Bing » (S. M. Newman, éd., Bonnard, The Late Paintings, Washington, D.C.,1984, p. 108).
Cette toile se distingue des scènes domestiques plus idylliques de Bonnard, souvent centrées sur sa compagne Marthe de Méligny, comme dans La Sieste (1900, National Gallery of Victoria, Melbourne), évocation rêveuse de la quiétude et de la sensualité du foyer. Si la plupart de ses œuvres célèbrent la chaleur et la douceur de l’intimité, L’Homme et la Femme introduit un ton plus introspectif et ambigu. La distance émotionnelle entre les figures, renforcée par la présence physique du paravent, suggère une réflexion profonde sur l’amour, le désir et l’aliénation. Le cadre quasi théâtral accentue la tension dramatique de la scène, laissant au spectateur la liberté d’interpréter les intentions de l’artiste.
Enfin, le tableau témoigne de la fascination de Bonnard pour l’esthétique japonaise, notamment dans l’usage des paravents et des cadrages resserrés, héritage de son appartenance au groupe des Nabis. Ici, toutefois, le paravent n’a rien de décoratif : il devient un symbole, une surface vide qui souligne le vide émotionnel entre les deux protagonistes.
Pierre Bonnard’s L'Homme et la Femme, painted circa 1900 is a large preparatory oil painting (110.7 x 64.5 cm.) for the masterpiece bearing the same title and measuring almost the same size (115 x 72.3 cm.), that hangs today in the Musée d’Orsay Paris. This very ambiguous and daring composition, taken almost as a close-up snapshot of the scene, unavoidably draws the viewer directly into the scene, confronted with the naked man posing confidently in the foreground of the painting, as he changes behind a screen. As seen in many works by Bonnard around the turn of the 20th century, he fully integrated the plastic innovations that the recent discovery of photography offered painters.
L'Homme et la Femme is a quietly poignant meditation on intimacy and emotional distance, painted at the turn of the century when the artist was deeply engaged with domestic themes and the complexities of human relationships. The scene unfolds in a dimly lit bedroom: a nude woman sits contemplatively on a bed, bathed in warm light, while a nude man stands behind a dark screen, partially obscured and seemingly disengaged. The composition is divided by this screen, a symbol of separation and emotional withdrawal, evoking a post-coital melancholy.
Bonnard’s use of color and light, as always, is masterful—earthy reds and browns dominate the background, while pale yellows and whites illuminate the woman’s figure, creating a chiaroscuro effect that heightens the emotional tension. To some extent, this particular work by Bonnard seems to have inspired some of Walter Sickert’s most tense intimiste scenes, as evident for example in Camden Town Interior painted by the British painter in 1912. In L'Homme et la Femme the brushwork is loose and expressive, characteristic of Bonnard’s post-impressionist style, which favored atmosphere and mood over precise detail. Sasha M. Newman has also argued the artistic dialogue between Edvard Munch’s paintings – that were regularly exhibited in Paris in the 1890s – and the present work by Bonnard, writing: "In L'Homme et la Femme, Bonnard was striving for a fusion of French Synthetist formal concerns with the content of International Symbolism – moving from Naturalism to a highly subjective, emotionally charged art. L'Homme et la Femme is closet in feeling to those works by Munch which also explore the relationship between the sexes – particularly his L'Amour series of fifteen paintings which were exhibited in Paris in 1897 at Samuel Bing’s Salon de L’Art Nouveau. Munch’s famous exploration of the interaction between man and woman, finds French expression in Bonnard’s roughly contemporaneous work’ (S. M. Newman, ed., Bonnard, The Late Paintings, Washington, D.C., 1984, p. 108).
This painting stands apart from Bonnard’s more idyllic domestic scenes, which often feature his lifelong companion Marthe de Méligny in moments of quiet solitude or bathing rituals, as represented in La Sieste (1900; National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia) – a dreamlike representation of domestic tranquility and sensual repose. While many of his works celebrate sensuality and the warmth of shared space, L'Homme et la Femme introduces a more introspective and ambiguous tone. The emotional detachment between the figures, reinforced by the physical barrier of the screen, suggests a deeper reflection on the nature of love, desire, and alienation. The almost theatrical setting accentuates the drama and tension of the scene, leaving the viewer to make his own interpretation of Bonnard here depicts.
The painting also reflects Bonnard’s fascination with Japanese aesthetics—particularly the use of screens and cropped compositions—which he absorbed through his association with the Nabis group. Yet here, the screen is not decorative but symbolic, its blank face emphasizing the emotional void between the couple.
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