Artist's Resale Right ("Droit de Suite"). Artist's… Read more

Arte contemporanea e impresa: investire nella creativitàdi Ovidio JacorossiEsiste un legame forte, indissolubile tra la storia della famiglia e il collezionismo di opere d’arte del Novecento italiano. Una realtà industriale legata da sempre alle fonti energetiche e ai servizi per l’ambiente e la cultura, un modello di impresa famigliare che ha attraversato gli ultimi cento anni di storia italiana e che ha raggiunto negli anni Ottanta e Novanta la posizione di decimo gruppo industriale, per dimensioni e fatturato.Lo spirito imprenditoriale è presente nella nostra famiglia già agli inizi del Novecento, attraverso la gestione di un emporio a Leonessa, cittadina del centro Italia, di cui la famiglia è originaria. Il trasferimento di nonno Agostino a Roma nel 1922 vede l’apertura di una rivendita di carbone in via dei Chiavari nel cuore storico della Capitale, rivendita che trasferirà a mio padre Daniele il cui impegno, purtroppo, rischia di vanificarsi nel 1950 quando muore prematuramente lasciando la famiglia all’età di 47 anni. Angelo ed io, insieme a Giancarlo qualche anno dopo, decidiamo, in accordo con nostra madre, di portare avanti l’attività di famiglia: un impegno capillare prima sulla città e progressivamente a livello nazionale che consente di trasformare una semplice bottega in una straordinaria avventura imprenditoriale.Il marchio Jacorossi si inserisce nel processo di modernizzazione del Paese, ponendosi all’avanguardia nel settore energetico e affiancando a questo una serie di attività collaterali sempre legate all’innovazione e allo sviluppo delle nuove tecnologie. Proprio nella fase di massima espansione industriale il gruppo inizia a interessarsi dell’arte del Novecento italiano partendo dalla scena romana. Mi sono avvicinato all’arte soprattutto grazie all’amicizia con Giuseppe Gatt, compagno di liceo e di università e giovane critico di arte contemporanea. Le acquisizioni che in pochi anni diventeranno il vasto corpus della Collezione, tra dipinti, sculture, disegni, grafiche, fotografie, installazioni e arti applicate, nascono dal rapporto con il gallerista Plinio De Martiis. Le opere di Emilio Prini e di Gino De Dominicis rappresentano l’esempio più importante di arte concettuale e di riferimento nella mia visione dell’arte. Gatt, De Martiis, De Dominicis e Prini sono stati gli amici di riferimento che si sono passati il testimone dagli anni ’50 al 2016.La Collezione Jacorossi, partendo dal Simbolismo e dal Divisionismo si snoda attraverso l’arte italiana del primo Novecento. Dal Futurismo al Ritorno all’Ordine, dalla Metafisica alla Scuola Romana, con pezzi molto significativi di artisti come Giorgio De Chirico, Mario Mafai e Fabrizio Clerici solo per citarne alcuni, per giungere poi all’Astrattismo della fine degli anni ’40 i cui esponenti principali possono essere individuati nel gruppo Forma 1, con Achille Perilli, Piero Dorazio e Carla Accardi. Interessanti gli esempi del movimento Spazialista con Antonio Sanfilippo, Lucio Fontana e Gianni Dova. Gli anni ’60, con la nuova “Scuola Romana di Piazza del Popolo” composta da Franco Angeli, Tano Festa, Mario Schifano, Mario Ceroli, Giosetta Fioroni e Francesco Lo Savio, costituiscono un importante settore della collezione. L’Arte Povera e l’Arte Concettuale vedono le opere di artisti quali Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Giulio Paolini, Emilio Prini. Questi ultimi artisti, insieme al complesso lavoro di Gino De Dominicis, condurranno la loro ricerca anche durante gli anni ’70 e ’80 con opere presenti in collezione. Degna di attenzione anche la raccolta di opere legate al movimento Fluxus. Gli anni ’80 sono documentati da un importante nucleo di opere degli Anacronisti e della Transavanguardia. Negli anni Novanta la Collezione si arricchisce di opere di grandi artisti come Mario Schifano, Gino De Dominicis ed Emilio Prini nonché di opere di artisti contemporanei.Alla passione del puro collezionista, sin dagli inizi, ho affiancato profonde convinzioni, operando in modo che il sistema dell’arte contemporanea, con i suoi linguaggi e i suoi canoni interpretativi, divenisse una forte componente strategica per le successive attività del gruppo.Ritengo, infatti, che l’atto interpretativo di colui che osserva l’opera d’arte costituisca un gesto di pura creatività che si fonde con quella dell’artista. Se un’azienda è capace di recepire questo processo, riportandolo all’interno del proprio sistema di valori e di obiettivi, ecco che il perseguimento del profitto e l’interesse collettivo possono trovare anch’essi un punto d’incontro e l’arte del tempo presente diviene un potente strumento di comunicazione e di promozione d’impresa.All’inizio degli anni ’80 è stata avviata una filosofia imprenditoriale dal titolo Iniziativa Keplero: l’uomo al centro del sistema economico, così come Keplero sosteneva la centralità del sole rispetto ai pianeti. Allo scopo di comunicare questa interazione tra cultura e impresa è stato organizzato un convegno prestigioso a Venezia nel 1986 con la presenza di Francis Haskell, sostenitore del rapporto cultura/impresa, e di altri relatori di spicco.Arte e business si dimostrano un binomio vincente che vede la sua prima applicazione nelle nuove infrastrutture tecnologiche all’interno del Museo Guggenheim di Venezia nel 1984. A seguire, sono stati investiti ingenti capitali in altri luoghi cardine del consumo culturale italiano: nel 1990 Palazzo delle Esposizioni a Roma e nel 1992 Palazzo Ducale di Genova sono tra gli esempi più virtuosi di una sinergia che genera all’unisono profitto e ritorno d’immagine. Una formula innovativa che va oltre la semplice sponsorizzazione. Luoghi nei quali insieme alle suggestioni artistiche viaggia a pieno ritmo una rete integrata di servizi tecnologici con un calcolatore di processo con brevetto Jacorossi. Spazi dove si arriva a gestire in contemporanea venti attività collaterali, tra cui sorveglianza, fototeca, caffetteria, ristorante e bookshop: è proprio da questa intuizione, tra l’altro, che prenderà linfa la successiva, e per certi versi storica, “legge Ronchey”, con la quale lo Stato italiano ha sancito nuovi criteri di affidamento, a tutt’oggi in vigore, delle attività accessorie nei musei e negli spazi espositivi pubblici, sia pure in forma ridotta.La collezione Jacorossi è oggi un organismo attivo, vitale, in ascolto: sensibile alle nuove tendenze dell’arte e attento alla conservazione del patrimonio che comprende. Le acquisizioni sono attente e mirate e altrettanta cura viene dedicata alle iniziative di vendita. Attività, questa, in totale coerenza con quanto sinora esposto: l’arte contemporanea, oltre a essere uno strumento di crescita personale e imprenditoriale, è anche, se ben governata, una ottima opportunità d’investimento con interessanti rendimenti già nel breve e medio periodo. Il futuro della collezione è proiettato verso l’apertura di un nuovo spazio nel centro storico della città dedicato a mostre, proiezioni, performance, incontri e confronti, ma anche luogo di convivialità ad alto tasso creativo. Il tutto sempre in via dei Chiavari. Il cerchio si chiude. Una nuova storia riparte da qui. Contemporary Art and Enterprise: Investing in CreativityBy Ovidio JacorossiThere is a strong, lasting bond between the family history and the collecting of works of twentieth-century Italian art. An industrial entity linked right from the beginning to sources of energy and to services for the environment and culture, a paradigm of family enterprise spanning the whole of the last century of Italian history, coming in tenth position by the Eighties and Nineties in the table of industrial groups, in terms of size and turnover.The entrepreneurial spirit was already present in our family at the beginning of the twentieth century, through the running of a general store in Leonessa, a small town in central Italy, from where the family originates. In 1922, grandfather Agostino moved to Rome, where he set up a coal business in Via dei Chiavari, right in the historical heart of the capital, a business he was to pass on to my father Daniele, whose hard work, unfortunately, nearly came to nothing, with his premature death in 1950 at the age of 47, leaving a family. Angelo and I, together with Giancarlo several years later, decided, with our mother's consent, to continue the family business: a task initially focused locally on the city itself and gradually at national level, leading to the transformation of a modest shop into a remarkable entrepreneurial journey. The Jacorossi brand became part of the modernisation process taking place throughout the country, positioning itself in the vanguard of the energy sector and setting in place alongside this a series of secondary activities, again connected to the innovation and development of new technologies. It was during the time of its greatest industrial expansion that the group began to show an interest in twentieth-century Italian art, beginning with the art scene in Rome itself.I became interested in art thanks above all to my friendship with Giuseppe Gatt, a high school and university companion and a young contemporary art critic. The acquisitions that in the space of a few years were to become the vast corpus of the Collection, comprising paintings, sculpture, drawings, graphic design, photographs, installations and the applied arts, were the result of the relationship with the gallery owner Plinio De Martiis. The works of Emilio Prini and Gino De Domenicis represent the most significant example of conceptual art, and the reference point for my vision of art. Gatt, De Martiis, De Dominicis and Prini were the friends who served as a reference and who passed the baton on between them from the 1950s until 2016.Starting with Symbolism and Divisionism, the Jacorossi Collection winds its way through the Italian art of the early twentieth century. From Futurism to Ritorno all'Ordine, from Metafisica to the Scuola Romana, with significant works by artists such as Giorgio De Chirico, Mario Mafai and Fabrizio Clerici to mention but a few, and embracing the Abstract art of the late 1940s whose principal exponents are to be found in the Forma 1 group, with Achille Perilli, Piero Dorazio and Carla Accardi. There are also fascinating examples of the Spatialist Movement, with works by Antonio Sanfilippo, Lucio Fontana and Gianni Dova. The Sixties, with the new "Scuola Romana di Piazza del Popolo" consisting of Franco Angeli, Tano Festa, Mario Schifano, Mario Ceroli, Giosetta Fiorini and Francesco Lo Savio, form a significant part of the Collection. Arte Povera and Arte Concettuale are represented by the works of artists such as Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro, Giulio Paolini, Emilio Prini. These artists, together with the complex work of Gino De Domenicis, were also to continue their investigation during the Seventies and Eighties in works present in the Collection. Worthy of mention is the collection of works linked to the Fluxus movement. The Eighties are documented by a significant group of works by the Anachronisti and the Transavanguardia.During the Nineties, the collection was enriched by works of great artists such as Mario Schifano, Gino De Domenicis and Emilio Prini, as well as those of other contemporary artists.Right from the start, my passion as a true collector has been accompanied by deep convictions, operating so that the contemporary art system, with its own particular means of expression and interpretative canons, became a powerful strategic component for the group's subsequent activity.I believe, in fact, that the interpretative act of the person observing the work of art constitutes a gesture of pure creativity that blends with that of the artist. If a company is capable of acknowledging this process, bringing it into its own system of values and objectives, then the pursuit of profit and collective interest can also discover common ground and the art of the present becomes a powerful instrument in the communication and promotion of business.In the early 1980s, an entrepreneurial philosophy known as the Kepler Initiative was launched: man at the heart of the financial system, just as Kepler asserted the centrality of the sun with regard to the planets.With the aim of disseminating this interaction between culture and enterprise, a prestigious conference was organised in Venice in 1986, in the presence of Francis Haskell, a supporter of the culture/enterprise relationship, and other well-known speakers.Art and business prove to be a winning combination that saw its first application in 1984 in the new technological infrastructures within the Guggenheim Museum in Venice. Subsequently, substantial amounts of capital have been invested in other key sites in Italian cultural consumption: in 1990, Palazzo delle Esposizioni in Rome and in 1992, Palazzo Ducale in Genoa are among the best examples of a synergy that generates both profit and good PR. An innovative formula that extends beyond mere sponsorship. Places in which, alongside the artistic experience, an integrated network of technological services with a process computer bearing the Jacorossi patent operates at full speed. Spaces in which twenty secondary activities are run at the same time, including surveillance, photo library, cafe, restaurant and bookshop: it was from this idea, moreover, that the subsequent, and in many ways historic, "Ronchey Law" sprang, in which the Italian state set out new administrative criteria, still in force, concerning secondary activities in museums and public exhibition spaces, albeit in a more modest form.The Jacorossi collection is today an active, vital organism, tuned in: receptive to new artistic tendencies and attentive to the conservation of the patrimony which it includes. The acquisitions are careful and deliberated and similar attention is devoted to initiatives regarding sales. These activities are entirely in keeping with what has already been said: in addition to being a tool for personal and entrepreneurial growth, if well managed, contemporary art also presents an excellent opportunity for investment with notable returns in the short and medium terms.The future of the collection is focused on the opening of a new space in the historic centre of Rome devoted to exhibitions, screenings, performance, meetings and debates, but also a place of creative conviviality. All of this once again in Via dei Chiavari. The circle is complete. A new story begins here.

Francesco Lo Savio (1935-1963)

Spazio luce

Details

Francesco Lo Savio (1935-1963)
Spazio luce
firmato e datato LO SAVIO 1960 (sul retro)
acrilico su tela
cm 110x130
Eseguito nel 1960

Provenance

Collezione Strini, Roma
Collezione privata, Germania
Londra, asta Sotheby's, 20 ottobre 2008, lotto 30
ivi acquisito dall'attuale proprietario

Literature

AA.VV., Monochrome Malerei, cat. mostra a Leverkusen, Städtisches Museum Schloss Morsbroich, 18 marzo - 8 maggio 1960, cat.

Exhibited

Roma, Galleria La Salita, Opere 1959-1962, 8 novembre 1967
Bologna, Galleria d’Arte Moderna, Arte italiana ultimi quarant’anni. Pittura aniconica, 7 novembre 1998 – 14 febbraio 1999, cat., p. 106, n. 73 (illustrato)
Karlsruhe, ZKM Karlsruhe, Francesco Lo Savio / Tano Festa - The Lack of the Other, 7 maggio-7 agosto 2011, cat.

Special notice

Artist's Resale Right ("Droit de Suite"). Artist's Resale Right Regulations 2006 apply to this lot, the buyer agrees to pay us an amount equal to the resale royalty provided for in those Regulations, and we undertake to the buyer to pay such amount to the artist's collection agent.

Further details

'SPAZIO LUCE' (SPACE LIGHT); SIGNED AND DATED ON THE REVERSE; ACRYLIC ON CANVAS

L'OPERA E' ACCOMPAGNATA DA UN ATTESTATO DI LIBERA CIRCOLAZIONE
THE WORK IS ACCOMPANIED BY AN EXPORT LICENSE

Brought to you by

Renato Pennisi

rpennisi@christies.com +39 02 3032831

Lot Essay

‘Per me la luce non è l'esito di un'immagine, ma la somma di immagini differenti in un movimento continuo di evoluzione. La nozione di una luce come semplice osservazione sarebbe niente se non fosse per il suo ruolo diretto nella dinamica essenziale di come sorge la vita.'
‘For me light is not the outcome of an image, but the sum of different images in a continuous evolutionary movement. The idea of a light as a straightforward observation would be nothing were it not for its direct role in the essential dynamic of how life arises.’
FRANCESCO LO SAVIO

Spazio luce (1960) di Francesco Lo Savio risplende di una misteriosa luminosità, una striscia bruno-dorata - oppure oro bruna - che sembra emettere luce dalla superficie della tela stessa. Un momento folgorante nella serie omonima di dipinti, la padronanza di Lo Savio dei colori acrilici permea l'intero campo di colore dell'opera di una risonanza intensa; applicando strati di colore uno sopra l'altro, l'artista costruisce una struttura complessa di luce sottilmente graduata all'interno delle tonalità brune e dorate della superficie e conferisce all'opera una sensazione palpabile di vita, che tuttavia conserva una bella, intrigante, indeterminatezza.
Morto tragicamente nel 1963 all'età di 28 anni, in soli quattro anni di lavoro, Lo Savio è riuscito a conquistare tanto. Nelle pitture di Spazio luce, come anche nei Filtri (soli effervescenti di luce ottenuti dalla sovvraposizione di strati di carta semitrasparente) e nei Metalli (lastre metalliche curve o angolari di nero profondissimo), Lo Savio ha costruito un corpus rivoluzionario che esaminava il rapporto tra visivo e fisico in modi radicalmente innovativi. Infatti, mentre molti artisti della sua generazione indagavano sullo spazio, Lo Savio, considerato a volte il precursore del Minimalismo americano, si è distinto per la sua analisi particolarmente accurata delle proprietà della luce; le sue opere offrono un efficace modello sperimentazione dell'esperienza ottica, rigorosamente concettualizzate e costruite per illuminare la nostra percezione della luce stessa.

Francesco Lo Savio’s Spazio luce (1960) glows with a mysterious luminosity, a panel of golden brown – or brown-gold – that seems to emit light from the surface of the canvas itself. A stunning instalment in the artist’s series of paintings under this name, Lo Savio’s skilful handling of his acrylic paint imbues the work’s all-encompassing field of colour with a rich resonance; applying layers of colour over one another, the artist builds up a complex structure of subtly gradated light within the brown and gold tones of the work’s surface, giving the work with a palpable sense of life that nonetheless maintains a tantalising, beautiful indefiniteness.
Tragically dying in 1963 at the age of 28, Lo Savio achieved a remarkable amount in a career that spanned only four years. In his Spazio luce paintings, as well as his Filtri (effervescent suns of light produced by layering sheets of translucent paper) and Metalli (curved or angular sheets of metal in abysmal black), Lo Savio produced a revolutionary body of work that explored the relationship between the visual and physical in radical new ways. Indeed, while many Italian artists of Lo Savio’s generation were investigating space, Lo Savio, sometimes thought of as a precursor to American Minimalism, stands out for his particularly close attention to the properties of light; his artworks serve as clinical experiments in optical experience, rigorously conceptualised and designed in order to illuminate our sense of light itself.

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