李禹煥

傑出的藝術家不管是在逆境或順境，都能不斷地挑戰自我，找出創作的新方向。李禹煥自幼接受傳統東亞哲學的訓練與薰陶，堅實的思想底蘊成就其藝術精髓。經過六十年代後期「物派」階段後，他更理解物質、主題與空間三者間的互動特質。1971 年末李禹煥前往歐洲展出與遊歷長達三個月，在巴黎首次親眼見到封塔納與克萊因的作品，與西方哲學家、藝術家交談時所激發的火花思緒，使他更加確定藝術探討的是作品與他人或是外界所建立的關係，並在過程中將藝術家的自我因素降到最低。這個概念配上「無限重複」之元素，造就李禹煥藝術生涯中的代表《始於點》與《始於線》系列。 找尋自我， 創造無我 要讓一件藝術與觀者或外界建立關係，首先藝術家必須將理念( 自身的存在與外在的實質結合。李禹煥曾說：「事物的存在，源自我們在有意識下物化這個世界，並將物質與其代表意義結為一體。」在探究此理的過程中，他亦曾從類似極簡主義的形式著手( 圖1)，並作出一結論――賈德甚至是弗 文的燈光藝術，僅屬於一種中立載體，雖可能與作品周圍空間之互動，無法與外界其他物體產生共鳴( 圖2)。完成於1979 年的《始於點》(Lot 54) 已是此系列相當成熟的作品，畫布上重複的墨點，已非只是幾何圖型或重複圖案，而成了一個活性的有機體，有動感與方向性，演繹著與外界產生共鳴時所表現出的互動韻致。東西方看待「自我意識」的態度本就不同，李禹煥的解讀是，西方社會對互動關係的定義通常在於人際，東方思維中「他者」可以是自然界中的動植物、石頭甚至是整個土地。李禹煥建立起這個連結後，在創作過程中反到盡力將這個「自我」的成分降到最低，以達到無垠的概念，因而創造出「無限重複」之元素。 停頓呼吸後， 見蒼穹 之所以限制藝術家在創作時的自我，因為藝術品雖屬於創作者，但其意義與價值並不來自於此。藝術雖然能與人溝通，卻不是真正的語言。李禹煥認為：「我的藝術不是用自我佔有這個世界，而是與外在世界開始一段關係，這段關係讓我有感知的能力。」《始於點》中藝術家將自我的元素降到最低，用天地萬物最基本的點相互排列，每一個單位間之空隙如一扇又一扇的門，讓觀者進入作品中，也讓外在的世界進入整個畫面。這個進入的過程，同時讓這些點蓄積無限能量，在行進中產生浩瀚無垠。李禹煥對於「無限重複」之所以如此著迷，主要因為主體與畫框內及周遭空間的互動性質。他認為中國唐宋山水畫的無涯氛圍，來自畫中上墨處與留白間產生的共鳴空間；希臘時期雕刻《望樓的軀幹》則是透過斷裂的四肢，將空間向外推展並滲透( 圖3)。「無限重複」機制中很大的一個要素是留白，留白產生空間感。另一外韓國知名單色畫家朴栖甫視畫面上的空白為呼吸與停頓，以避免線條產生的視覺疲乏( 圖4)。《始於點》中李禹煥以蘸滿了顏料的畫筆，從左至右逐筆印下，由濕潤飽滿逐漸乾涸褪淡為止。墨色軌跡之間的距離，在規律中推演出更豐富的層次風景。西方藝評常將《始於點》系列與美國藝術家雷曼作比較，雷曼的畫作同樣帶有規律與重複性，卻缺少一點「動」的特質，色塊幾乎將畫面完全填滿，或許這與西方習慣的「加法」文化有關，整體畫面偏向視覺性( 圖5)。相較之下，李禹煥作品上漸層質地與留白畫布間的互動，生成一股能量與空氣的流轉，觀者彷彿看到風的速度、水的肌理，預兆了之後《由風而來》系列的發展。他的哲理、思想性化成一種而是水到渠成的心境脈動，汩汩達至觀者，這才是李禹煥藝術的奧秘與引人入勝之處。