Jim Dine

Au début des années 1960, alors que le Pop Art battait son plein, l’un de ses premiers représentants s’était déjà éloigné de ses principes et traçait sa propre voie. Caractérisées par une répétition compulsive des thèmes, mais tempérée par l’humanité et la chaleur, les gravures, peintures, dessins et sculptures que Jim Dine a produits au cours des 60 années suivantes constituent l’une des œuvres les plus originales de l’art des XXe et XXIe siècles.

Né à Cincinnati, dans l’Ohio, en 1935, Dine a passé son enfance au-dessus de la quincaillerie familiale. Après une formation à l’Art Academy of Cincinnati et à la Boston Museum School, il s’installe à New York et commence à fréquenter les cercles du mouvement Beat et des débuts du Pop Art, aux côtés de contemporains tels que Willem de Kooning, Jasper Johns, Roy Lichtenstein et Andy Warhol.

Ses premières œuvres prenaient la forme de « happenings » — des performances chaotiques et désorganisées, très en vogue parmi l’avant-garde new-yorkaise de la fin des années 1950. Mais, même à ce stade précoce, son œuvre se caractérisait déjà par une obsession pour les objets du quotidien.

Au début des années 1960, Dine s’était orienté vers une approche plus intime et figurative. Une série d’autoportraits sans tête réalisée en 1964 a abouti à Double Isometric Self-Portrait (1964) et à la première apparition de l’un de ses motifs récurrents, la robe de chambre pour homme.

Dine représentait des objets banals, tels que des peignoirs, et des formes archétypales comme le cœur ou la Vénus de Milo, et les répétait à travers d’innombrables variations de couleurs et de techniques, allant de délicates gravures à de vastes sculptures en bronze. Si la répétition était un motif courant dans le Pop Art, Dine l’utilisait à des fins très différentes. Le Pop Art jouait avec l’art en tant que culture de masse ; Dine imposait un individualisme personnel et lyrique à ses archétypes sans visage.

Après s’être installé à Londres en 1967, son œuvre est devenue indirectement autobiographique. Il a commencé à intégrer de l’écriture dans ses peintures, souvent les noms de ses proches, et nombre de ses titres, tels que Nancy and I at Ithaca (1966–69), revêtent une signification profondément personnelle.

Artiste d’une prolificité et d’une diversité uniques, Dine est retourné vivre et travailler aux États-Unis dans les années 1970.