50 ans d'art d'Afrique et d'Océanie chez Christie's, ça se fête

En 1976, Hermione Waterfield et William Fagg ont visité 15 villes des États-Unis en l'espace de cinq semaines pour promouvoir le nouveau département d'art d'Afrique et d'Océanie de Christie's.

Waterfield travaillait pour la maison depuis 1961 et cataloguait des miniatures de portraits, des bijoux de Fabergé et d'autres objets de vertu. Fagg était quant à lui un conservateur reconnu de la collection africaine du British Museum depuis 1938. Il aidait à l'occasion Waterfield sur des œuvres d'art indigènes, qui étaient glissées dans des ventes d'armes et d'armures, ou d'art d'Extrême-Orient.

En 1969, trois ans après leur première rencontre, une pièce africaine trouvée dans une remise de jardin a été vendue à un membre de la dynastie de banquiers Lehman pour 21 000 livres sterling. Ce prix étonnant leur a donné une idée : créer une division spéciale au sein de la maison d'enchères pour trouver et vendre des objets similaires.

En Amérique, ils faisaient tous deux la publicité de leur première vente : 196 œuvres d'art africaines de la collection de James Thomas Hooper, l'un des plus grands collectionneurs d'art ethnographiques en Europe. Organisée à Londres au mois de juin, elle a connu un tel succès que trois autres ventes aux enchères ont été organisées les années suivantes, au cours desquelles des artefacts hawaïens, polynésiens et amérindiens de Hooper ont été proposés.

En 1977, Waterfield et Fagg ont également eu à vendre une partie de la collection ethnographique de feu Josef Mueller, la plus grande et la plus importante jamais constituée. Alors qu'il était l'un des plus grands connaisseurs de l'avant-garde au tournant du 20e siècle, son approche pionnière a établi des liens dans le temps et l'espace entre des objets antiques et l'art moderne. La majeure partie des objets qui n'ont pas été mis aux enchères, environ 7 000, ont été exposés cette même année au musée Barbier-Mueller de Genève, ouvert par sa fille, Monique, et son gendre, Jean-Paul Barbier, qui ont tous deux préservé et enrichi sa collection.

À la fin des années 1980, le département de Christie's s'était fait une place dans le monde de l'art d'Afrique et d'Océanie, et Waterfield et Fagg étaient deux spécialistes reconnus dans ce domaine. Fagg a quitté la maison peu avant sa mort en 1992. Waterfield, qui a aujourd'hui plus de 80 ans, est encore en contact avec le département.

Fidèle à la tradition initiée par ses deux précurseurs, des ventes soigneusement sélectionnées qui mettent l'accent sur le monde de la recherche, Christie's domine ce marché depuis le début du millénaire et a vendu aux enchères l'intégralité de 48 œuvres d'art d'Afrique et d'Océanie qui ont franchi la barre du million d'euros. En 2024, la maison a proposé 99 pièces supplémentaires de la collection Barbier-Mueller, pour un total combiné de 73 millions d'euros, un nouveau record pour une vente monopropriétaire dans cette catégorie.

Le 3 juin 2026, à l'occasion du 50e anniversaire du département, Christie’s Paris proposera 14 œuvres d'art d'Afrique et d'Océanie d'une importance, d'une qualité et d'une provenance exceptionnelles. Victor Teodorescu, qui dirige le département, nous présente cinq d'entre elles.

Malangan kepong mask, Papua New Guinea

La Nouvelle-Irlande, dans l'Archipel Bismarck, est une bande de terre hostile du Pacifique Sud, longue de 350 km et peuplée de 120 000 habitants. Là-bas, dans la culture traditionnelle malangan, des cérémonies sont organisées au nom des personnes récemment décédées avec des masques de bois sculptés appelés kepong. Autrefois, ils étaient brûlés ou jetés après utilisation, mais plus récemment, des collectionneurs ont commencé à les acquérir.

« Il y a quatre types de Malangan kepong, aux niveaux de complexité croissants », explique Teodorescu. « Celui-ci est un formidable exemplaire du type le plus complexe. Il s'agit d'un hybride, moitié homme, moitié oiseau. Son nez est sculpté sous la forme d'une séquence narrative dans laquelle un coq est posé sur une silhouette humaine, debout sur un serpent avec un poing qui sort de sa bouche. Un ensemble de motifs aussi élaboré est extrêmement rare et met en valeur le savoir-faire et la créativité du sculpteur.»

Le masque a été répertorié pour la première fois dans la collection du musée Náprstek des cultures asiatiques, africaines et américaines de Prague, mais plus récemment, il était la propriété du peintre surréaliste chilien Roberto Matta.

« C'est exactement le genre d'objet qui inspirait les surréalistes. Ils les étudiaient, les collectionnaient et les partageaient », raconte Teodorescu. « Matta aurait vu dans cette pièce une manifestation physique d'un monde des esprits invisible. Elle aurait également donné à plusieurs artistes de la génération suivante d'expressionnistes abstraits, dont Jackson Pollock et Robert Motherwell, l'inspiration pour passer à la peinture. »

Statue fang, Gabon

Pour le peuple fang, entre le Cameroun et le Gabon, la séparation entre les esprits et les vivants est un élément clé de son identité. L'une des façons de maintenir cette séparation consiste à utiliser des statues, appelées byeri, qui gardent les reliquaires. Elles sont placées sur les paniers destinés aux ossements anciens. Le plus souvent stockées dans les coins sombres des logements, on dit qu'elles détournent les influences négatives.

« Les statues fang sont un élément essentiel à l'histoire de notre appréciation de l'art africain en Europe », affirme Teodorescu. « Elles comptent parmi les premières pièces importées sur le continent, et ont été admirées et collectionnées par quelques-uns des premiers artistes modernes, comme André Derain, Maurice de Vlaminck et Pablo Picasso. »

La patine sombre et brillante des statues byeri, résultat de décennies de manipulations lors des cérémonies, était préservée par l'application d'huile de palme, de poudre de camwood et de libations rituelles sur la surface du bois.

« Cet exemplaire est remarquablement grand et particulièrement élégant avec ses formes sensuelles et sa coiffe raffinée. C'est un véritable chef-d'œuvre de l'art fang et, plus généralement de la sculpture africaine », se réjouit le spécialiste. « C'est le marchand d'art pionnier Maurice Renou qui en fait l'acquisition vers 1930. Il la considérait comme la sculpture africaine la plus importante de sa collection. Il l'a prêtée en 1955 pour l'exposition Les arts africans au Cercle Volney à Paris, à une époque où les spécialistes commençaient à prendre l'art africain plus au sérieux. Bien des années plus tard, en 2009, elle a également fait partie de l'exposition Visual Encounters. Africa, Oceania, and Modern Art à la Fondation Beyeler à Bâle, qui encourageait de nouvelles façons de considérer l'émergence de l'abstraction dans le monde.

Statue Sakimatwematwe léga, République démocratique du Congo

Les Sakimatwematwe , que l'on peut traduire par « l'homme aux multiples têtes », sont un type de sculpture qui incarne la conscience accrue attribuée aux initiés du plus haut rang de la culture léga, en République démocratique du Congo. Relevant du domaine de l'indicible, chacune d'elles intègre des enseignements ésotériques, qui sont révélés progressivement durant l'initiation du candidat.

« On a recensé seulement 15 exemplaires de ces statues à plusieurs têtes, dont sept se trouvent dans des musées en Amérique, notamment la collection Menil à Houston, et le musée Fowler à l'université UCLA », précise Teodorescu. « Chacune d'elles illustre la vision unique de son créateur. Elles sont généralement divisées en deux catégories : la première est caractérisée par des formes curvilignes et une approche expressive, la seconde privilégie une abstraction géométrique audacieuse. Cette sculpture est l'un des meilleurs exemples de cette dernière catégorie. Il s'agit de l'une des plus rares et des plus importantes expressions de l'art léga. »

Masque guro, Côte d’Ivoire

Plusieurs artistes individuels ont été recensés dans l'univers des sculptures du peuple guro, en Côte d'Ivoire. Selon le spécialiste Eberhard Fischer, ce masque en particulier est attribuable au « Maître Bron-Guro ». Il a écrit que cette réalisation maîtrisée, qui montre une certaine spontanéité, révèle l'esprit créatif de la personnalité du sculpteur. « Ses lignes épurées et ses volumes harmonieux signent la plus belle pièce du Maître Bron-Guro », affirme Teodorescu.

En 1984, le Museum of Modern Art de New York a présenté l'exposition Primitivism in 20th Century Art: Affinity of the Tribal and the Modern, un événement marquant qui a réexaminé l'esthétique commune du modernisme occidental et de l'art traditionnel d'Afrique et d'Océanie. Ce masque figurait parmi les nombreux chefs d'œuvre des deux univers. Il était mis en valeur face au travail du peintre et sculpteur italien Amedeo Modigliani.

« Ils ont en commun cette idée d'équilibre et de beauté, avec des bouches qui semblent prêtes à parler. Imaginez qu'une collection privée puisse le rapprocher d'un portrait de Modigliani pour recréer cette conversation », rêve Teodorescu. « Très peu de pièces peuvent être associées à des cercles d'artistes et encore moins à des sculpteurs particuliers. Il s'agit indubitablement de l'un des masques africains les plus importants que nous ayons jamais proposés à la vente. »

Pipe makondé, Mozambique

Le tabac, probablement introduit par les Portugais au Mozambique au cours du 16e siècle, était très précieux chez les Makondé. Son utilisation était un privilège accordé aux anciens de la communauté, notamment durant les rassemblements dans lesquels ils se remémoraient le passé.

D'une hauteur de 33 centimètres, cette pipe à eau sculptée en bois appartenait probablement à un chef makondé et devait figurer parmi ses possessions les plus précieuses. Moins de cinq pipes de ce type ont été recensées. L'une d'elles se trouve au Flint Institute of Arts, dans le Michigan, et une autre au National Museum of African Art de Washington DC. « Celle-ci est sans conteste la plus belle », affirme Teodorescu. « Sa forme magnifique évoque une silhouette humaine avec une remarquable sobriété, magnifiée par de rares bracelets de perles. Elle est tout de même destinée à être utilisée, ce qui lui confère une certaine ambigüité sculpturale. Elle présente également une superbe patine, qui s'est formée durant de nombreuses années d'utilisation rituelle. »

L'histoire de cette pipe est particulièrement bien documentée puisqu'elle a été publiée dans l'ouvrage de référence de 1988 Art of Africa. Elle a aussi fait partie de l'exposition phare Africa: The Art of a Continent, à la Royal Academy de Londres en 1995 et 1996.

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